L'ART EN JEU

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Les scènes inspirées à Bill Viola par l'opéra Tristan et Iseult font maintenant l'objet d'une exposition spécifique intitulée: Love/Death: The Tristan Project. Elle est proposée jusqu'au 2 septembre 2006 par la galerie Haunch of Venisson à Londres.

Bill Viola participe avec Peter Sellars à une mise en scène de Tristan et Iseult à Los Angeles en décembre 2004 et à l'opéra de Paris en avril-mai 2005, elle sera reprise à Paris en novembre et décembre 2005, lors de la saison 2005-2006. L'opéra est repris à Paris en novembre - décembre 2008.

Un grand écran ferme la scène de l'opéra Bastille, les chanteurs évoluent toujours à l'avant de l'espace scénique et au cours du premier acte, il y a quelques interventions des choeurs et du roi dans la salle. Ainsi le metteur en scène Peter Sellars renonce presque à une mise en espace de l'opéra. Les chanteurs habillés de noir sont généralement dans la nuit, toute l'attention visuelle est concentrée sur l'écran. Peut-être pourrait-on dire qu'il s'agit d'une version de concert de l'opéra, accompagnée d'images projetées, inspirées à Bill Viola par l'oeuvre de Wagner? Bill Viola a construit un scénario, une suite d'images splendides et mystérieuses qui s'inscrivent tout à fait dans le style de son travail des dernières années.

La première série d'images montre la mer, puis apparaît un diptyque, une fenêtre à deux battants d'où surgissent progressivement un homme et une femme, ils s'approchent de plus en plus, se déshabillent complètement. Chacun dispose d'un aide. Ils trempent la tête dans une vasque d'eau, puis les serviteurs leur versent l'eau d'un cruche sur le corps. A la fin du premier acte les deux corps enlacés se dissolvent dans l'eau. Au deuxième acte c'est le décor de la forêt qui est évoqué. Le feu surgit et l'homme traverse le feu. Une femme allume des cierges. A la fin un couple entre dans la mer. Dans le troisième acte, l'écran est dressé verticalement alors qu'il était horizontal dans les deux premiers. Il n'y a plus de figures. Des images de nature, des arbres, la mer, le ciel, le feu; l'approche est plus abstraite. Seul le navire d'Isolde évoque l'action. On constate que le rapport de Bill Viola à l'opéra est comparable à son rapport à la peinture, tel qu'il apparaissait dans son exposition à la National Gallery de Londres évoquée plus bas dans cette page. Certes les images de ce vidéaste ont une puissance wagnérienne!, elles fonctionnent bien sur l'écran gigantesque affiché sur la scène de l'opéra. Peut-être cette recherche ouvre-t-elle de nouvelles perspectives à l'opéra et vont-ils lui permettre de trouver un public différent, car elles facilitent certainement la réception de la musique pour un public peu habitué à Wagner. L'avantage sur un décor traditionnel étant les changements de situations plus fréquents. Bien que Bill Viola travaille en extrême lenteur, il y a une dizaine de séquences différentes dans le premier acte, ce qui offre une variété beaucoup plus grande qu'un décor traditionnel et les images créées prennent ici toute leur ampleur on peut les apprécier plus sereinement que dans une exposition.

Dans la réalisation proposée ici, il faut pourtant relever qu'on ne comprend pas bien la relation entre la mise en scène et les images projetées, au contraire de la relation entre la musique et les images qui est évidente. Le problème est évidemment crucial, parce que l'on se demande alors si l'on est vraiment à l'opéra ou au cinéma et Wagner n'a pas écrit une musique de film! Ainsi aux moments de paroxysme, l'écran devient noir pour concentrer l'attention sur les chanteurs, mais il ne se passe rien sur la scène. A certains moments les acteurs filmés se substituent aux chanteurs par exemple pour évoquer l'amour qui est traité de façon très pudique par des corps sous l'eau qui sont aspirés dans un tourbillon et se dissolvent, à d'autres moments les acteurs filmés et les chanteurs agissent simultanément dans des actions différentes. L'articulation entre les deux espaces fonctionne difficilement, elle est peu compréhensible. On peut ainsi formuler un certain nombre de critiques, mais l'expérience est vraiment intéressante, elle ouvre certainement des perspectives.

Vers un article sur une mise en scène diamétralement opposée de cet opéra par Olivier Py.

Bill Viola The Passions

National Gallery, Londres, jusqu'au 4 janvier 2004

L’exposition itinérante Bill Viola, the Passions est présentée à la National Gallery de Londres dans les salles habituellement destinées aux expositions temporaires de cette institution. Il s’agit de 7 espaces bien distincts de dimensions variables avec une salle centrale qui est liée aux autres. Dans la première pièce on découvre des peintures anciennes, définies comme sources d’inspiration et un écran vidéo qui montre un visage en mouvement très lent, intitulée Man of Sorrows, 2001. Dans la vidéo qui accompagne l’exposition et dont on peut découvrir un extrait sur le site de la National Gallery, Bill Viola souligne deux éléments qui me paraissent importants. Premièrement s’il s’inspire de peintures anciennes, ce qui l’intéresse n’est pas de reconstituer exactement la mise en scène du peintre, mais d’explorer les sentiments qui sont à l’origine de l’œuvre et qui sont exprimés dans celle-ci. La deuxième chose est que, selon lui, la tradition chrétienne occidentale n’est pas seule propriétaire de l’expression d’événements dramatiques comme la Crucifixion et la Résurrection. Il y a un fond commun plus large. Et l’on comprend bien que sa propre référence spirituelle est tournée vers le boudhisme plus que vers le christianisme.

Salle 2 Observance, réalisé dans un format vertical, présente un rituel de deuil accompli par une série de figures qui passent de l'arrière-plan au premier plan de l'écran. Viola donne Les Apôtres de Dürer comme source de cette composition. Loin de se limiter au format standard d'un téléviseur, Il a élaboré des écrans aux formats très divers tantôt verticaux comme ici, tantôt horizontaux comme dans The Quintet of the Astonished présenté dans la salle 3. Il propose aussi des diptyques, polyptyques pour mettre en scène les émotions qu'il explore. Dans la salle 4, on s'éloigne des sources directes de la peinture et l'on trouve deux travaux vidéos caractéristiques de l'univers de Viola avec Surrender, qui montre les reflets superposés d’un homme et d’une femme, dont les figures se dissolvent l'une dans l'autre, dans une gamme colorée d'un rouge et d'un bleu intense. Salle 5 The Crossing est une grande installation vidéo qui présente d'un côté l'artiste attaqué par les flammes, alors que de l'autre il est submergé par de l'eau. C'est la seule installation dans cette exposition qui comprend un élément sonore. Cet aspect est beaucoup moins violent que dans d'autres présentations (je l'avais vue dans une salle gigantesque du Palais des Papes à Avignon en 2000 où le bruit de l'eau qui tombe atteignait une force énorme). Il y a une association intéressante avec la salle 6 où l'artiste présente sous le titre Emergence, une figure qui sort d'un sarcophage et qui en fait sort de l'eau. La mise en scène est inspirée par une peinture de Masolino. Dans la dernière salle Bill Viola présente des travaux de petite dimension en particulier le polyptique Catherine’s Room.

La principale caractéristique de cette exposition et du travail qu’elle propose est l’intégration de la vidéo au musée traditionnel. C’est un projet déroutant qui peut susciter le rejet, pourtant en fait il me semble qu’il est très bien maîtrisé et très intéressant, car s’il évite les ruptures choquantes, s'il respecte le lieu, il montre bien la spécificité, l’identité irréductible de chaque mode d’expression. Et c’est certainement une manière de stimuler un nouveau regard sur la peinture ancienne. La relation entre les différentes salles, les points communs l’eau et le feu, en plus de la douleur sont étudiés avec subtilité. Les silhouettes des visiteurs qui se détachent dans la nuit; la tension et l’émotion du public compact dans ces salles assez petites deviennent également des éléments de la manifestation. La différence soulignée est liée au rapport au temps puisque le peintre exprime un seul instant qui est aussi la synthèse de nombreux autres moments, alors que dans les films en jouant avec le travail des acteurs et les possibilités de l'enregistrement filmé, Bill Viola joue sur la décomposition du temps qui est aussi celle des émotions. (Bien sûr même si le reproche de kitsch ne paraît pas pertinent puisqu'il s'agit d'un critère d'évaluation lié au modernisme et que tous les travaux actuels assument une part de narrativité, on sent surtout en décrivant les pièces qu'il y a une gêne, mais elle est moins sensible lorsqu'on les voit).

L’installation présentée dans une galerie privée, Haunch of Venison, et qui apporte un complément important à l’exposition me semble montrer que Bill Viola n’a pas renoncé aux modes d’expression de l’art contemporain. Ici en effet sont exposés des objets et des calligraphies bouddhistes anciens, alors qu’au dernier étage de la galerie, on découvre une installation vidéo en noir et blanc de 1995, Hall of Whispers.

http://www.nationalgallery.org.uk/exhibitions/bill_viola/theexhibition.htm

Un autre article sur Bill Viola dans L'art en jeu.

Le site de Bill Viola informe sur toutes les expositions dans lesquelles ses oeuvres apparaissent.

http://www.billviola.com/

Patrick Schaefer, L'art en jeu, 9 novembre 2003

Vers d'autres articles concernant la vidéo contemporaine: Anri Sala (2003) Steve Mac Queen (2003) Douglas Gordon What have I done (2002) Sam Taylor-Wood (2002) Eija-Liisa Ahtila, Real characters, invented worlds Tragedy, Mathilde ter Heijne (2002) Mark Wallinger, no Man's Land (2001) Doug Aitken , New Ocean (2001) Anne Katrine Dolven (2001) Gillian Wearing (2000)