Archives de catégorie : photographie

Expositions thématiques (8)

Grand Palais, Paris Bohèmes jusqu’au 14 janvier 2013

Le metteur en scène canadien Robert Carsen (1954) signe la scénographie très soignée et séduisante de deux expositions à Paris : Bohèmes au Grand Palais jusqu’au 14 janvier et l’impressionnisme et la mode au musée d’Orsay jusqu’au 20 janvier. Comme il est aussi l’auteur de la mise en scène de JJR, découverte à Genève ces derniers jours et qu’il avait réalisé Richard III de Giorgio Battistelli lors de la dernière saison, on lui porte un intérêt soutenu.

Bohèmes explore la polysémie du terme, ce qui donne une exposition en deux parties bien distinctes, mais assez surprenante, déconcertante même. La première, qui s’étend dans deux salles allongées au rez, examine l’iconographie des bohémiens, diseuses de bonne aventure et autres égyptiens aux pouvoirs mystérieux. C’est une toile de Georges de la Tour qui domine la première salle. Elle inclut également le passage à l’artiste qui s’identifie au vagabond, au marginal avec une toile comme Bonjour M. Courbet particulièrement bien mise en valeur, on découvre ce double aspect de la représentation des marginaux et de l’identification de l’artiste avec ce groupe.

La seconde partie à l’étage évoque les grandes oeuvres du XIXe siècle qui, dans le goût pour l’exotisme de l’époque, qui place les gitans et l’artiste bohème au centre avec Mérimée et Carmen, puis Puccini et la Bohème.

Pour commencer on entre dans un studio d’artiste aux papiers peints déchirés avec des portraits et des autoportraits, la salle suivante propose des vues d’ateliers, les toiles sont posées sur des chevalets. Puis l’on passe à la Bohème qui a une très longue histoire puisque le texte d’Henry Murger, La vie de Bohème date de 1850, il a connu plusieurs éditions illustrées et Daumier n’a pas manqué de s’en prendre à la vie de Bohème ! alors que l’opéra de Puccini est de 1896. Une autre salle évoque Rimbaud et Verlaine avant de nous faire entrer dans un grand café  aux murs duquel on trouve des toiles célèbres comme celle de Degas, l’exposition s’achève avec Picasso et des peintres hongrois et espagnols notamment.

Pour conclure, on dira que c’est encore une fois une exposition thématique, iconographique intéressante, mais assez étrange.

Patrick Schaefer l’art en jeu 2 octobre 2012

Vevey 29 juin 2013

Lemancolia musée Jenisch Vevey jusqu’au 13 octobre.

 Dans les espaces du rez-de-chaussée, le musée Jenisch évoque de multiples aspects de l’iconographie du Léman. Cette exposition associe des techniques et des périodes très diverses, à travers des confrontations bienvenues, soutenues par la force d’un modèle dont les variations inspirèrent tant d’artistes de Conrad Witz à Oscar Kokoschka et Jean-Luc Godard. A côté de toiles impressionnantes de Courbet, Hodler et Kokoschka, on découvre 8 aquarelles de Turner auxquelles répondent celles de Gustave Doré par exemple. Les sauts chronologiques sont déclinés avec audace, de même que les registres d’expression, puisque l’on passe sans transition d’une vision romantique tumultueuse, à la bande dessinée, à la photographie et à la vidéo. Ces associations sans doute parce qu’elles traitent du même sujet sont bien réussies.

Au visiteur qui se sent attiré par un grand Château de Chillon de Gustave Courbet dans la salle de droite, on indique qu’il devrait d’abord aller découvrir les Hodler et Kokoschka qui lui font signe dans la salle de gauche.

C’est ici que l’on trouve un fac-similé  de la Pêche miraculeuse de Conrad Witz, considéré comme le premier paysage du Léman, à ses cotés une toile de Pietro Sarto dont les atmosphère nuageuses et mouvantes conduisent le regard vers les aquarelles de Turner de 1841. Dans deux d’entre elles on reconnaît le clocher de l’église Saint-Martin de Vevey. Celles-ci sont à leur tour confrontées à deux tirages photographiques d’Alexander Hahn qui offrent une autre vision de Léman. Le parcours se poursuit ainsi avec des associations surprenantes, mais subtiles dont les sauts chronologiques sont soutenus par l’unité du thème. Dans l’aile Est du musée, on découvre des Courbet et des oeuvres de Corot, Bocion, Vallotton, mais aussi un chapitre qui évoque des modes d’expression différents avec partant de Rodolphe Töpffer, la bande dessinée de Hergé, l’affaire Tournesol, qui se déroule en partie à Nyon et des planches de Frédéric Pajak. Enfin un montage de différents films de Jean-Luc Godard est proposé, pour évoquer l’importance du Léman dans son oeuvre.

Zurich 4 juin 2012 Deftig Barock jusqu’au 2 septembre 2012

Deftig Barock de Cattelan à Zurbaran. Manifestes de la vie précaire, Kunsthaus Zurich.

En 1995, le Kunshaus de Zurich avait proposé une confrontation entre l’art contemporain et un artiste plus ancien sous le titre Zeichen & Wunder / Niko Pirosmani (1862-1918) und die Kunst der Gegenwart. En 2011, lors de la Biennale de Venise qu’elle dirigeait , Bice Curiger, a tenu à consacrer une salle aux grandes toiles de Tintoretto. L’exposition actuelle du Kunsthaus Deftig Barock poursuit dans le même esprit.

Pour résumer trois espaces sont consacrés à des toiles anciennes du 16e siècle au 18e siècle de 17 artistes. En général, il ne s’agit pas d’oeuvres majeures, mais plutôt de compositions qui frappent par leur étrangeté, leur véhémence. C’est cette relation que l’exposition propose d’explorer dans les travaux de 15 artistes contemporains. Ils sont sélectionnés dans un bel équilibre entre la vidéo, la peinture, la sculpture et l’installation.

Un premier mur nous accueille avec des scènes de genre du 17e siècle, Teniers, Brouwer, Pieter Aertsen, des scènes de beuveries ou de boucherie, en particulier. Les deux premières salles sont consacrées à des films de Ryan Trecartin et Lizzie Fitch, avec une invitation à se prélasser dans des canapés pour assister au délire assez gore du film. Dans la suivante ce sont les animations en terre ou pâte à modeler de Nathalie Djurberg I found myself alone qui proposent un scénario délirant. Puis l’on découvre les photographies de modèles nus dans des musées de Juergen Teller et les sculptures de Cattelan. Les photographies de Boris Mikhailov sont un excellent pendant aux scènes de genre de même que les peintures de Dana Schutz How we would Dance, 2007. On comprend moins la raison de la présence de 3 grandes peintures d’Albert Oehlen ou celle d’une belle sculpture d’Oscar Tuazon qui vient par ailleurs mettre un ordre construit dans l’espace. Les deux interventions d’Urs Fischer, une langue tirée et un lit mou sont particulièrement bien intégrées dans l’espace qui propose le plus grand ensemble de peintures anciennes. Des scènes historiques, mythologiques ou religieuses sont sélectionnées davantage pour leur étrangeté que pour leur qualité propre. On retient par exemple bien sûr cette scène de viol d’une femme noire de 1632 du musée de Strasbourg ; Les architectures fantastiques de Monsù Desiderio ou les étranges compositions d’Alessandro Magnasco. La plus belle toile ici est L’enlèvement d’Europe par Simon Vouet.

Les dessins autodérisoires et érotiques de Robert Crumb leur répondent judicieusement. Le plus jeune artiste de l’étape s’appelle  Tobias Madison (1985), il propose une installation rigoureuse et déroutante. L’exposition s’achève avec une installation vidéo de Diana Thater sur Tchernobyl, quatre grandes peintures à l’émail sur métal de Marilyn Minter qui travaille à la Warhol. La dernière salle propose de grands portraits photographiques de Cindy Sherman, une sculpture de Paul Mc Carthy qui fonctionnent très bien avec des portraits de Hyacinthe Rigaud et des natures mortes de Frans Snyders entre autres.

La référence au baroque est employée par de nombreux créateurs actuels comme Derek Jarman ou Mathew Barney qui ont mis en avant cette relation. Ils sont d’ailleurs présentés dans un cycle de films qui complète l’exposition. Les artistes retenus représentent quelques exemples de cette approche. On peut se demander pourquoi John Miller, présenté en 2009 à la Kunsthalle de Zurich est qui est en plein dans cette référence au baroque n’est pas présent, peut-être son approche est-elle trop critique, interrogative? On a préféré Paul Mc Carthy qui fait un peu « ancien », fin des années 1980!. Par ailleurs ce qui frappe c’est le parti pris esthétique général, les oeuvres contemporaines sont bien mises en valeur, l’ensemble offre une belle exposition, en évitant toutefois de trop exacerber la problématique !

Patrick Schaefer L’art en jeu 5 juin 2012

Berne 25 novembre 2010

Le Centre Paul Klee et le Musée des Beaux-Arts se sont associés pour évoquer Les sept péchés capitaux de Dürer à Nauman jusqu’au 20 février. Au musée on découvre d’abord les suites consacrées à l’évocation des péchés, puis une présentation détaillée de l’orgueil, l’envie, l’avarice et la colère, alors que la luxure, la paresse et la gourmandise sont évoqués au centre Paul Klee.

Une image peut en cacher une autre jusqu’au 6 juillet 2009

Au Grand Palais à Paris, on découvre Une image peut en cacher une autre jusqu’au 6 juillet. Cette vaste exposition propose d’explorer en 22 étapes, différentes formes de l’ambiguïté visuelle et de la double image à travers les siècles. Le 16e siècle occupe une place considérable, suivi par le 20ème, une salle entière est accordée à Salvador Dali et l’exposition s’achève de façon très séduisante sur les sculptures de  Markus Raetz.

Le propos de l’exposition est de montrer comment à chaque époque les artistes ont joué avec la perception visuelle. Plaçant des visages dans les rochers, cachant des images à l’intérieur d’autres représentations.

Développant les métamorphoses, les assemblages ou les anamorphoses par jeu, mais aussi pour y cacher un sens.

La gravure a joué un rôle important dans la diffusion de ce genre de travaux surtout au XIXe siècle. Ils ont connu un regain d’intérêt auprès des surréalistes et Dali en a fait l’une des sources principales de son inspiration artistique.

Le site de la http://www.rmn.fr/ présente divers aspects de l’exposition avec des commentaires d’oeuvres et des entretiens.

Patrick Schaefer, l’art en jeu 29 avril 2009

Zurich Musée national: Animali. Animaux réels et fabuleux de l’Antiquité à l’époque moderne jusqu’au 14 juillet 2013.

Une exposition qui considère la représentation des animaux réels et fabuleux depuis la préhistoire jusqu’au 17e siècle, avec quelques exemples contemporains. L’exposition suit la typologie des animaux mélangeant les époques, ainsi le dragon, la sirène, le cerf, le cheval. l’aigle ou encore le griffon, la licorne, le centaure, le lion, le poisson et le sphinx sont tour à tour évoqués. Une belle sélection de bijoux, vases, sculptures, manuscrits, peintures ou encore tapisseries.

A signaler que le Kunsthaus de Zurich propose du 1er avril au 31 juillet 2011, une exposition intitulée Tierisch gut! HundeKatzeMaus im Kunsthaus Zurich.

Comme des bêtes

Musée cantonal des beaux-arts Lausanne jusqu’au 22 juin 2008.

La première exposition du nouveau directeur du musée des beaux-arts de Lausanne, Bernard Fibicher, propose une approche thématique autour des animaux dans l’art d’aujourd’hui et d’autrefois avec 170 œuvres provenant d’une centaine de prêteurs différents. L’exposition est organisée autour de neuf animaux. Elle commence par celui que l’on considère parfois comme le plus intelligent, le cochon et se poursuit avec une vie plus sauvage autour du cerf, puis de l’ours. Après ces épisodes on arrive à la grande icône helvétique: la vache. Puis l’on passe au chat et au papillon, on continue avec la poule et ses poussins, l’âne et le parcours s’achève avec la mouche.

L’exposition ne cherche pas à construire un discours sur les relations entre l’homme et l’animal, l’artiste et l’animal, mais présente des exemples appartenant à différentes époques sur la manière de traiter l’animal chez les artistes et par là le regard de la société sur l’animal. La salle consacrée aux chats oppose par exemple la vision femme et chat et la relation homme et chat. Une sorte de taxinomie de la représentation des animaux retenus nous est proposée. Elle est basée sur des critères de sélection liés d’un côté à l’histoire de l’art local (on remarque la présence de nombreuses sculptures d’Edouard Marcel Sandoz, mais aussi des oeuvres d’André Lasserre), celle des collections (Steinlen, Vallotton, Auberjonois par exemple) ou encore les expériences préalables du concepteur de l’exposition, à ce titre on relève la présence de plusieurs artistes chinois. Il n’y a pas non plus de référence aux performances avec les animaux qui sont nombreuses dans l’histoire de l’art des 40 dernières années depuis la rencontre de Beuys avec un coyote. En fait l’approche n’est assurément pas un traitement diachronique relevant de l’histoire de l’art, qui se baserait par exemple sur l’évolution de la notion de peintre animalier, ou sur la problématique des mythes et des métamorphoses. Elle favorise des confrontations denses d’oeuvres de différentes époques, des approches multiples autour du motif et laisse ouverte l’interprétation sans hiérarchie esthétique. Des artistes ont été invités à intervenir directement dans les salles Didier Rittener a dessiné une grande mouche sur un mur et Alexandre Joly propose un surprenant carrousel avec une vache. Le résultat est un tohu bohu plutôt joyeux et apaisant sans prétention excessive, mais tout à fait original. Le catalogue reprend cette approche taxinomique avec un texte du directeur du musée de zoologie sur ce sujet et des citations de textes de différentes époques sur chaque animal, accompagnant un commentaire des principales oeuvres retenues.

Les animaux sont à la mode lors de la dernière Skulptur Projekte Münster 07, l’artiste Andreas Siekmann s’en est pris d’ailleurs à la pratique de nombreuses villes adoptant comme emblème un animal. Au début des années 1990 c’est Damien Hirst qui a renouvelé la représentation de l’animal en présentant différentes bêtes dans des vitrines de formaldéhyde, mais il a aussi reconstitué dans de grands blocs en verre des milieux naturels, aquariums ou forêts emplies de papillons. L’exposition In a Gadda Vida à la Tate Britain à Londres en 2004 en offraient de bons exemples. Cette approche est contredite par l’engagement de Mark Wallinger qui revêt une peau d’ours et se filme lui-même errant dans la National Galerie à Berlin solitaire dans ce costume, une vidéo que l’on découvre dans l’exposition lausannoise. Un livre de Steve Baker, the Postmodern Animal, Londres, 2000 rend compte de cette évolution de la représentation des animaux. On peut aussi citer Jeff Koons dont on trouve un écho dans l’ours proposé ici par Valentin Carron.

Plus tôt c’est la relation identitaire, mimétique avec l’animal comme la relation Picasso- Minotaure évoquée dans l’exposition Picasso, Sous le soleil de Mithra en 2001 et 2002 qui était traitée.

On peut encore mentionner le néo-expressionnisme des années 1980 et une relation totémique dont l’artiste outsider François Burland offre un exemple.

Un catalogue et un programme d’animation important accompagnent l’exposition. A voir sur le site du musée. Patrick Schaefer, L’art en jeu 28 mars 2008

Galeries nationales du Grand Palais

Mélancolie, Génie et folie en Occident jusqu’au 16 janvier 2006

En 1994, Achille Bonito Oliva présentait au musée Correr à Venise « Preferirei di no » cinque stanze tra arte e depressione, une remarquable réflexion sur le thème de la Mélancolie chez les artistes et dans l’expression artistique. Après bien des péripéties Jean Clair propose au Grand Palais à Paris une large évocation de ce thème. L’exposition interroge la constitution et la mise en place des normes à travers huit chapitres et de nombreuses sections qui traquent l’origine de la figure de la mélancolie de l’Antiquité jusqu’à aujourd’hui. En plus de l’approche iconographique, elle traite des relations entre l’art et la science et de l’identité de l’artiste. Une problématique déjà abordée dans L’âme au corps. Art et sciences 1793 – 1993. Le déroulement chronologique va de pair avec la confrontation d’oeuvres à travers les siècles, afin de souligner la permanence des préoccupations évoquées.

1 La Mélancolie dans l’Antiquité: humeurs, tempéraments, saisons. Vases antiques, Télémaque et Pénélope devant son métier à tisser le mouvement de la tête appuyée sur un bras, la prostration. 2 Le Bain du diable, les 7 vices. Le Moyen Âge. 3 Les enfants de Saturne qui rassemble les marginaux et les contemplatifs. La Renaissance. Héraclite qui pleure, Démocrite qui rit. Robert Burton L’anatomie de la mélancolie. Melencolia I de Dürer (à signaler que le tirage présenté est celui de la collection Decker du cabinet des estampes de Vevey). Dürer introduit la notion moderne de génie, il associe la figure de la mélancolie à l’art noble de la géométrie. Saturne astre de la mélancolie. Un musée de la mélancolie au centre Le Cube 1933 d’Alberto Giacometti. 4 L’anatomie de la mélancolie à l’âge classique. Les Vanités. La mélancolie liée au Memento mori. Musique et Mélancolie. 5 Les lumières et leurs ombres. Le 18ème siècle. 6 Dieu est mort. Le romantisme. Peintures de catastrophes. 7 La naturalisation de la mélancolie. Médecine et mélancolie Messerschmidt, Lavater, étude de la folie par Goya, Géricault. Portrait du Dr Gachet par van Gogh, ce Dr Gachet a fait une thèse sur la mélancolie, Eakins, Artaud. 8 Mélancolie et temps modernes. Anselm Kiefer, Ron Mueck confrontation d’oeuvres du 19e et du 20 siècle. L’exposition brosse une histoire de l’art et des idées complète, à travers le thème de la mélancolie et de la prostration.

L’exposition est visible à la neue Nationalgalerie à Berlin du 17 février au 7 mai 2006. Elle connait un grand succès les heures d’ouverture ont été étendues il y a eu 100’000 visiteurs en 5 semaines. Le site de l’exposition donne de nombreux renseignement y-compris des commentaires sur les oeuvres. Par ailleurs un programme de vidéos contemporaines est présenté à côté de l’exposition.

Voyages 2007 – 2010

Malte 24 – 31 mars 2007

En arrivant de nuit je découvre depuis l’avion les innombrables lumières de l’île et je me dis tout de suite que la surpopulation doit être un problème ici. Les localités comme à La Vallette sont totalement construites.

Il y a 400’000 habitants à Malte. Et la longueur maximale de l’île est d’environ 30 km. La surface totale de 300km2. La circulation automobile est difficile et les bus pour La Vallette sont pleins. L’une des caractéristiques de Malte est la rareté des arbres, à peine quelques petites forêts et parfois des vallons cultivés où poussent des palmiers, des arbres fruitiers et une végétation très dense. Parti à pied devant l’hôtel et je suis tout de suite émerveillé. La vue sur la mer bien sûr, mais pour y parvenir la petite route goudronnée dessert un grand nombre de petites parcelles cultivées entourées de murs de pierres imposants. En ce moment on récolte des pommes de terres et les plantes de haricots ont une dimension imposante. Partout fleurissent les fleurs sauvages de couleur jaunes ou violettes surtout.

Victoria (Gozo). Si la Vallette est une ville entièrement fortifiée on retrouve sur toute l’île et à Gozo des fortifications et des châteaux de diverses époques jusqu’à la dernière guerre.Victoria (Gozo) Je suis descendu à travers la ville et j’ai marché en direction d’une petite station du bord de mer Marsalforn Bay en me retournant pour voir la citadelle. Le site néolithique de Ggantija est magnifiquement situé, il domine toute l’île de Gozo. On voit dans l’axe du temple la grande église de Xewkija.

 

Riga 13 – 17 novembre 2007

A Riga, capitale de la Lettonie à plus de 2’200km de Lausanne. Il y a une vieille ville (qui comprend aussi plusieurs bâtiments 1900) et une ville nouvelle surgie au tournant du 20ème siècle sous la direction notamment de Mikail Eisenstein, père du cinéaste Sergei. L’urbanisme de la ville est remarquable avec de grandes avenues, de nombreux parcs et un équilibre général des bâtiments magnifiques sans doute est-ce l’influence de Saint Pétersbourg. Cette cité devait être très riche, car elle dispose d’une banlieue huppée au bord de la mer, Jurmala, enrichies d’innombrables villas construites également au début du 20e siècle et un autre quartier de villas 1900 Mezaparks où se trouvent un zoo et un lac.

On parcourt les rues le nez en l’air pour découvrir les décorations 1900 des bâtiments. Les décors sont géométriques, figuratifs, beaucoup de masques grimaçants, mais aussi des scènes complètes de farandoles et inspirés par la nature animaux et plantes. Il y a également des bâtiments du 19ème siècle plus anciens de style néogothique ou néoclassique. L’opéra construit au 19ème , totalement refait récemment, est splendide. L’académie des beaux-arts est un beau bâtiment néogothique et à côté le musée des beaux-arts aux formes classicisantes consacré à l’art letton est un édifice magnifique. Certains bâtiments ont été refaits récemment ils sont assez clinquants, d’autres sont dans un état plus ou moins proche de la ruine. On voit encore aussi les maisons en bois peints qui ont été remplacées le plus souvent par de nouveaux bâtiments vers 1900.

Madère  4 -14 mai 2009

06/05/2009 Sao Vicente – Seixal

Premier jour à Madère. Je suis au Nord de l’île a Sao Vicente. Marché en suivant l’ancienne route le long de la côte. Nuages, embruns, la mer est agitée.

L’odeur des capucines partout. Arrivé à Seixal la localité suivante, un joli site qui possède une petite plage et deux piscines creusées dans la lave, mais pas question de baignade: il fait frisquet.

Retour en bus. On a construit et on construit encore des tunnels et de nouvelles routes partout, mais très peu d’usagers.

08/05/2009 Levada, Funchal

Le 6 je suis ma première levada au-dessus de Sao Vicente. Une bonne heure et demi de montée avant de suivre un bisse dans une forêt foisonnante et des vues superbes vers les montagnes ou la mer.

Le 7 une journée autobus pour aller à Funchal 1h 30 pour aller par la voie rapide et 3h. pour revenir en passant par les villages et le col d’Encumeada.

Le centre de Funchal est imposant avec ses maisons blanches entourées de pierre noire, il y a de nombreuses églises. Une belle promenade le long de la mer. Montée au jardin botanique: c’est raide, raide, puis télécabine pour Monte au-dessus d’une vallée sauvage préservée.

9/05/2009

Grottes de lave, Je poursuis mon exploration de Sao Vicente qui semble un lieu désert, mais abrite en fait un centre de vulcanologie très hollywoodien et bien fréquenté. La pluie est peu favorable aux excursions, les montagnes sont dans les nuages.

Le lendemain je visite encore un petit écomusée très bien fait qui présente l’extraction de la chaux, le site est magnifique.

12/05/2009; 4 saisons par jour

Dimanche je prends le bus de 8h., le seul pour monter au col d’Encumeada et suivre le chemin des crêtes. Malheureusement après 2 heures de grand beau temps, les nuages, puis la pluie arrivent.

Mardi journée bus Arco de San Jorge, Santana puis Funchal et retour à Sao Vicente. Il y a plusieurs compagnies de bus à Madère. Après Arco de San Jorge on change de compagnie, les horaires ne sont pas coordonnés: il faut attendre 1h. 30. Presque chaque promontoire vertigineux a été colonisé par un village.

Un diaporama sur Youtube: https://youtu.be/_WGlIJscf-Q

Sicile  29 avril – 12 mai 2010

L’avion me conduit à Catane, il existe une liaison directe par air Malta depuis Genève. Vol agréable, mais arrivée tardive qui m’oblige à prendre un taxi, ce dernier profite un peu de la situation. Catane fait partie de ces villes siciliennes détruites par un tremblement de terre au XVIIIe siècle et reconstruite par des généraux espagnols urbanistes. Les rues se croisent à angle droit, les portes d’accès et les églises baroques scandent clairement les avenues. Ce qui frappe à Catane, c’est le grand marché aux poissons et aux fruits et légumes, proche de la cathédrale et la statue de l’éléphant emblème de la ville.

Après un bref parcours de la ville, départ en train pour Syracuse. La gare proche du port est assez éloignée du centre ville ; il faut traverser des zones de terrains vagues en chantier. Le parcours de la côte n’est guère pittoresque, car il s’agit d’une zone industrialisée et puis il y a les vergers d’agrumes et les montagnes proches des côtes. A Syracuse aussi la gare est à une demi-heure du centre historique. Le dilemne est de prendre un hôtel près de la gare, ce qui facilite l’accès aux transports publics pour visiter la région ou d’aller sur l’île au centre. J’ai choisi la première, ce qui avait des avantages et quelques inconvénients. La partie antique de la ville est par contre proche de la gare. J’ai beaucoup aimé Syracuse. Cette cité évoque un  peu La Valette,  en moins spectaculaire. C’est une ville agréable avec beaucoup de bons restaurants. La cathédrale, qui serait l’un des premiers bâtiments chrétiens d’occident est très touchante, le culte de Saint Lucie et la toile de Caravage également. Il y a un joli musée des beaux-arts et un immense musée archéologique, très intéressant.

Parmi les nombreuses villes baroques des environs (Il y a encore Modica, Scicli, Ipsica, qui ne sont pas d’un accès très aisé sans voiture, j’en ai visité deux. Noto est à une heure et Raguse, plus éloignée. Elles sont issues de l’imagination d’un général espagnol après le tremblement de terre de 1693, elles méritent le détour.

Ensuite j’ai suivi la côte jusqu’à Agrigente dans un parcours en train, puis en bus assez sportif par Raguse, Gela et Licata. La ville d’Agrigente et la vallée des temples sont absolument magnifiques. Très beau parcours en train à travers la montagne sicilienne jusqu’à Palerme avec un horaire cadencé toutes les deux heures, un excellent voyage. Monreale et Palerme sont également des lieux fascinants.

De Palerme je retiens de fortes impressions architecturales et urbanistiques. Pour commencer dans le rempart extérieur se trouve le château normand qui abrite la chapelle palatine décorée de mosaïques romanes qui suivent le même programme qu’à Monreale. Les portes de la ville sont conservées, ce qui implique un embouteillage permanent qui concerne également les transports publics. Il vaut mieux tout faire à pied et les distances sont assez grandes. La cathédrale associe une quantité de styles, elle24 offre depuis l’extérieur un spectacle absolument saisissant. A signaler la Galleria d’arte moderna. Plus loin on découvre le Palazzo Belmonte Riso qui abrite le musée d’art contemporain de la Sicile. Ensuite on arrive au centre baroque de la ville les quatro canti. Il y a un immense marché sur la gauche avec notamment poissons légumes, câpres. Il est très authentique. Avant d’arriver à la mer et au port on découvre le Palais Abatellis un musée modernisé qui abrite les collections d’art ancien de la galerie régionale de Sicile, notamment un Antonello da Messina. Il existe aussi un parcours de différentes églises baroques gardiennées qui sont très intéressantes. Un effort important de réhabilitation des musées est en cours, pour l’art contemporain notamment. Le musée archéologique était toujours en travaux, mais la réouverture devait être imminente. Enfin il faut relever la zone du jardin botanique avec un parc public de style pompéïen assez fascinant. Mais Palerme ne se limite pas à la zone baroque romane, il y a aussi une partie fin 19e début 20e très impressionnante. D’abord l’immense opéra et plus loin sur une place gigantesque la salle de concert qui ressemble au Royal Albert Hall. Il y a encore plusieurs bâtiments intéressants.

Le voyage se poursuit avec la magnifique baie de Cefalu et son église normande. Le parcours en train s’achève par un parcours plus chaotique avec changement à Messine et beaucoup de retard jusqu’à Taormina, le site le plus touristique de toute l’île et de là j’ai pris un bus sans problème jusqu’à l’aéroport de Catane. En 10 jours je n’ai pas visité tous les sites intéressants de Sicile, mais une partie et ce fut une bonne expérience.

Prague – Vienne 2011

Athènes – Santorin 2013

Slovaquie – Pologne 2013

Corée du Sud – Helsinki 2014

Ajaccio 2015

Carnaval de Bâle 2015

Crète 31 mars – 11 avril 2016

Bourgogne – Saragosse 2017

D’Aoste à Piacenza 4 mai – 18 mai 2018

Herzog et de Meuron

 

L’intervention de Herzog & de Meuron au musée des cultures de Bâle, 30 09 2011

7 février 2012: Herzog & de Meuron et Ai Wei Wei vont réaliser le pavillon d’été de la Serpentine Gallery à Londres en 2012.

Schaulager, Bâle

Herzog & de Meuron No. 250 une exposition jusqu’au 26 septembre 2004

Les architectes Herzog & de Meuron ont construit le Schaulager à Bâle, inauguré l’année passée avec une grande exposition Dieter Roth. Ce lieu est avant tout destiné à entreposer des œuvres d’art, mais se propose d’organiser une exposition par année. Celle des architectes occupe le sous-sol du bâtiment et propose au visiteur d’entrer aussi bien dans leurs archives que dans leur cahier de commandes en cours. Continuer la lecture →

Le Corbusier

Cette page est consacrée à des informations sur Le Corbusier.

Centre Pompidou Paris: Le Corbusier 29 avril – 3 août 2015

En consultant cette page, on constate que cela fait bien des années que l’on s’intéresse aux multiples facettes de l’activité de Le Corbusier créateur. L’exposition du centre Pompidou donne une ampleur exceptionnelle à cette ouverture, loin de se concentrer uniquement à l’activité de l’architecte dont elle présente les principaux moments avec des plans, des maquettes et des extraits de bandes d’actualité, elle montre son activité de peintre et de sculpteur dans toute son ampleur. Continuer la lecture →

Fondation Maeght

La Fondation Maeght à Saint-Paul-de-Vence fête son quarantième anniversaire. Cette institution qui fut sans doute l’une des premières, si ce n’est la première à miser sur le tourisme culturel estival marque l’événement par une exposition sur les livres d’artistes: De l’écriture à la peinture. C’est l’occasion de revenir sur l’histoire des Maeght.

L’aventure des Maeght, trois générations d’éditeurs d’art

L’importance de l’édition d’art dans le développement de l’art moderne ne saurait être trop soulignée. Dès 1895 Ambroise Vollard commanda des estampes aux artistes qu’il défendait; il fut le véritable créateur du livre d’artiste en publiant Parallèlement de Verlaine, puis Daphnis et Chloé de Longus tous deux illustrés par Pierre Bonnard. Dans ses souvenirs Vollard a malicieusement raconté ses déboires avec les bibliophiles qui considéraient que l’illustration d’un ouvrage ne pouvait être faite par des peintres:

« Comme je disais à un amateur de Maurice Denis: Continuer la lecture →

Sophie Calle

Paris musée Picasso, Sophie Calle. A toi de faire ma mignonne 29 août 2023 – 3 mars 2024

Pour marquer le cinquantenaire de la mort de Picasso le musée qui porte son nom a choisi de privilégier une réponse positive aux nombreuses demandes de prêt plutôt que de montrer une nouvelle exposition de l’artiste. L’oeuvre sur papier de Picasso est présentée avec près de 1000 pièces au centre Pompidou.

Sophie Calle a reçu carte blanche et a même décidé d’emménager dans le bâtiment avec toutes sa collection personnelle! On retrouve les jeux de cacher/ montrer, l’évocation de la disparition, de la non vision qui caractérisent les réalisations de l’artiste dans cette intervention monumentale!

Le Fotomuseum à Winterthour propose une exposition Sophie Calle du 8 juin au 25 août 2019.

Sous le titre Un certain regard, cinq « reportages » photographiques sont présenté: Les aveugles, 1986; La dernière image 2010, une reprise de The last seen, sous le titre Que voyez-vous, 2013; Detachement, 1996, sur les monuments du communisme arrachés à Berlin et Parce que, 2018. Il s’agit d’une rétrospective sans nouvelle réalisation, alors que souvent Sophie Calle a appliqué sa méthode de réalisation à une situation spécifique au lieu où elle expose.

Le musée de Thoune présente une exposition Sophie Calle, Regard incertain du 6 septembre au 1er décembre 2019. Elle comprend huit séries notamment Voir la mer 2011 et La dernière image, 2010, ainsi que la Suite vénitienne de 1980.

Sophie Calle est au Festival d’Avignon à la chapelle des Célestins du 7 au 28 juillet 2012

Whitechapel Gallery Londres Sophie Calle 16 octobre – 3 janvier 2010

Palais des Beaux-arts Bruxelles Sophie Calle jusqu’au 13 septembre 2009

L’installation de Sophie Calle et Daniel Buren Prenez soin de vous, proposée à Venise en 2007 est visible à la Bibliothèque nationale à Paris, site Richelieu, salle Labrouste jusqu’au 8 juin 2008.

La salle de lecture de la Bnf rue Richelieu est un espace architectural historique magnifique qui a perdu son usage. L’invitation à Sophie Calle de venir présenter prenez soin de vous est une idée excellente et le résultat est vraiment émouvant. L’artiste avait présenté ce travail dans le pavillon français à Venise avec Daniel Buren comme commissaire. Ici dans chaque rangée des tables de lecture sont placés deux écrans : le spectateur peut s’asseoir et écouter les 107 performances commandées par Sophie Calle à des actrices, chanteuses appartenant aux styles les plus variés. Continuer la lecture →

Art Appenzell 2007

För Hitz ond Brand jusqu’au 19 septembre 2007: art contemporain dans les musées d’Appenzell

Huit musées des cantons d’Appenzell, qui jouxte la ville de Saint-Gall, se sont réunis pour présenter des interventions d’une trentaine d’artistes contemporains. C’est l’occasion en cherchant ces travaux de prendre conscience d’un patrimoine peu connu et très éparpillé.

La plupart sont des musées consacrés à la vie et à l’histoire locale. A l’exception du musée Henri Dunant, de la Ziegelhütte à Appenzell, le musée Liner n’est pas associé à cette action. L’idée de proposer un parcours d’art contemporain à travers ces institutions est à priori assez bonne. Il faut toutefois relever que la plupart des propositions ne sont pas assez fortes pour ressortir face à l’accumulation d’objets locaux. Elles sont le plus souvent traitées très discrètement et les trouver s’apparente plutôt à la recherche des œufs de Pâques. La seule exception est formée par les interventions artistiques à Stein qui sont très pertinentes. Elles apportent un complément bienvenu et même un contre-discours à la célébration de la vie locale. Stein à côté d’un centre de démonstration sur la fabrication du fromage dispose du musée ethnographique le plus moderne et le plus cohérent. Un étage est consacré à la peinture traditionnelle avec quelques pièces très anciennes presque toutes dédiées à la célébration de la vache. Le sous-sol est consacré à l’industrie textile et au Heimatwerk. On pourrait entamer toute une réflexion sur la tradition et la marginalité lorsque surgit soudain un dessin de Hans Krüsi peint sur une serviette de restaurant. Le film d’Emmanuel Geisser The edge of the Forest traite d’apparitions surnaturelles, de phénomènes extraordinaires. Costa Vece propose le témoignage très fort de sa mère venue de Grèce pour travailler en Suisse d’abord à Appenzell, puis à Herisau dans des conditions qu’elle considère avoir été proches de l’esclavage.

Le Museum Herisau qui jouit d’une muséographie très ancienne et pittoresque. A Appenzell on trouve trois musées: le Museum Liner construit par Annette Gigon et Mike Guyer inauguré en 1998 est entièrement consacré au peintre abstrait Carl Walter Liner (1914 – 1997) et à son père Carl August Liner (1871 – 1946). Les surfaces d’exposition sont importantes, plus de 600m2. La Ziegelhütte est une ancienne briquetterie transformée par le bureau d’architecte Robert Bamert en salle à usages multiples: une salle de concert, une cafétéria et de beaux espaces d’expositions bien équipés. Inaugurée en 2003, il existe trois étages avec des espaces autonomes différents, structurés pour recevoir des expositions. Actuellement, deux sont consacrés à Hans Arp et un aux travaux de Carl August Liner. Ils ont décidé d’établir une collaboration régulière avec le musée Marguerite Arp de Locarno. Il y a encore le Museum Appenzell en face de l’église qui réunit des armoires peintes, quelques statues et retables, des documents sur les étoffes et la vie locale. Pour le reste ce musée propose une exposition de peinture naïve.

Urnäsch abrite avec le Brauchtum Museum, sans doute le lieu le plus étonnant avec une collection importante, notamment la présentation des masques et costumes de carnaval. A relever que ces musées sont éloignés d’une dizaine de kilomètres les uns des autres.

För Hitz ond Brand jusqu’au 9 septembre: art contemporain dans les musées d’Appenzell (le site très complet présente les musées et les artistes de façon détaillée).

Stiftung Liner

Kunsthalle Ziegelhütte

Stein Appenzeller Volkskundemuseum

Per Kirkeby

Per Kirkeby est décédé en mai 2018

Le Schlosswilhelmshöhe à Kassel présente l’oeuvre gravé de Per Kirkeby jusqu’au 12 août 2012.

Per Kirkeby est exposé au Palais des beaux-arts à Bruxelles du 10 février au 20 mai 2012.

Une rétrospective Per Kirkeby est présentée à Humlebaek Louisania Museum of Modern Art jusqu’au 25 janvier 2009.

On la verra également à la Tate Moden à Londres du 17 juin au 13 septembre 2009.

Cette exposition est présentée à Düsseldorf au Museumkunstpalast en parallèle avec Caspar Wolf jusqu’au 10 janvier 2010.

Per Kirkeby. Kristall. Refléxion, relations et sources jusqu’au 30 avril 2006

Aarau Kunsthaus

Per Kirkeby est né en 1938 à Copenhague; après avoir suivi une formation complète de géologue, il se tourne vers l’art. Il rencontre des personnalités de l’avant-garde des années 1960 comme Beuys ou Nam June Paik. Pourtant il va se consacrer essentiellement à la peinture, la gravure et la sculpture. Peintre de paysage avant tout, inspiré par les lichens, les arbres, les mouvements de l’eau, du ciel (nuages, brouillard) et de la terre, il accumule, superpose, les formes, les couleurs. Personnalité très connue au Danemark, on l’a découvert en Europe au début des années 1980 dans le flux du regain d’intérêt pour la peinture néo-expressionniste.

Kirkeby a la particularité de consacrer de nombreux textes à son travail, plus de 80 ouvrages, fascicules publiés à ce jour. L’exposition présente les peintures et les sculptures de Kirkeby en relation avec les oeuvres auxquelles il se réfère en optant pour un dialogue entre les époques. Continuer la lecture →

Jeff Wall

La Fondation Beyeler présente les oeuvres de Jeff Wall avec 55 pièces jusqu’au 21 avril 2024.

Bâle Schaulager Jeff Wall Photographs 1978 – 2004 jusqu’au 25 septembre 2005.

Le catalogue raisonné des travaux de Jeff Wall (1946) qui accompagne l’exposition du Schaulager à Bâle jusqu’au 25 septembre, (puis à la Tate Modern à Londres du 21 octobre 2005 au 8 janvier 2006) recense 120 oeuvres. L’exposition bâloise propose 74 caissons lumineux ou tirages noir blanc géants de cet historien d’art canadien venu à la photographie assez tardivement dont les travaux ont pris place dans un grand nombre d’expositions d’art contemporain à travers le monde depuis une dizaine d’années.

L’ampleur de la présentation permet de mesurer la diversité des thèmes abordés qui vont de la nature morte au paysage, en passant par la composition historique tout en jouant avec de nombreuses références à l’histoire de la peinture, de la photographie et de l’image en général. Au-delà de ces thèmes, de ces références l’univers représenté est celui des villes nord-américaines, en l’occurence Vancouver au Canada dont on retrouve l’atmosphère dans de nombreux travaux. L’oeuvre de Jeff Wall invite au discours et lui-même écrit beaucoup sur ses travaux. Pourtant, malgré les multiples niveaux d’interprétation et de références, elle peut aussi se regarder au premier degré en particulier en raison de la fascination qu’exerce l’effet du caisson lumineux, un retour sur l’aura de l’oeuvre d’art! Il faut dire à ce sujet que ces photographies ont la particularité de n’être en fait pas reproductibles puisque les reproductions ressemblent davantage à une esquisse, à un schéma ou un calque et ne peuvent en aucun cas prétendre reproduire l’impact visuel du travail lui-même. Il y a quelque chose de définitif dans chaque travail, un peu à l’opposé de l’idée traditionnelle de la photographie multiple et foisonnante, chaque pièce de Jeff Wall apparaît comme une synthèse de ce qui se peut se faire autour d’un thème. Elle a un poids spécifique, particulier qui peut aussi gêner, paraître académique à l’extrême, mais il me semble que l’exposition montre justement que ce n’est pas seulement cette approche très pesante qui le caractérise et que par petites touches, il fait aussi le portrait d’un monde, celui de la région d’où il vient.

Schaulager der Emmanuel Hoffmann-Stiftung (Münchenstein): Jeff Wall Photographs 1978 – 2004 jusqu’au 25 septembre 2005.

Patrick Schaefer, L’art en jeu, 5 mai 2005