Archives de catégorie : estampe

Maria Lassnig

Bâle 14 juin 2018

Musée des beaux-arts Maria Lassnig, Dialogues 12 mai – 26 août 2018

Le musée des beaux-arts de Bâle propose une rétrospective des travaux sur papier de Maria Lassnig.

Maria Lassnig a placé son propre corps et son visage au centre de ses recherches artistiques. L’exposition permet de suivre cette recherche d’une force incroyable au cours des voyages de l’artiste autrichienne qui l’ont menée à Paris, aux Etats-Unis avant de revenir à Vienne où elle a enseigné. Un volet de l’exposition est consacré aux films réalisés par Maria Lassnig.


Maria Lassnig reçoit le Lion d’or à Venise en 2013. Elle est décédée en 2014.

A l’occasion de ses 90 ans Maria Lassnig fait l’objet de deux expositions qui seront présentées à Vienne MUMOK 13 février – 17 mai 2009 et à Cologne au Museum Ludwig 14 mars – 14 juin 2009.


Maria Lassnig, verschiedene Arten zu sein (différentes manières d’être)

Kunsthaus Zurich jusqu’au 29 février 2004

Maria Lassnig développe un travail de peinture passionnant. On pense à l’école de Londres: Francis Bacon, Frank Auerbach, Paula Rego peut-être et à Kokoschka bien sûr puisqu’elle est autrichienne. Bien qu’elle soit très connue des milieux spécialisés, la notoriété de Maria Lassnig est encore limitée auprès du grand public, malgré plusieurs expositions itinérantes présentant soit ses travaux sur papier, soit ses peintures. Née en 1919, elle vit à Vienne où elle a enseigné la peinture. L’exposition du Kunsthaus occupe l’espace du rez-de-chaussée de cette institution, souvent réservé aux jeunes artistes. Elle est organisée parce que l’artiste a obtenu le prix Roswitha Haftmann en 2002.

Cet accrochage accompagné d’un catalogue se concentre sur un seul thème l’autoportrait, tel qu’il a été traité par l’artiste au cours de 10 dernières années. Ainsi la retrouve-t-on 27 fois dans des situations, des positions très diverses. La technique picturale de Maria Lassnig est expressionniste, mais ses peintures reposent sur un dessin très solide, elle est d’ailleurs une aquarelliste et dessinatrice hors pair. Par ailleurs cette expressivité n’est pas tragique, il s’agit d’un langage pictural qui est plein d’humour, de distance et se met au service de l’exploration systématique d’un thème, d’une idée. Elle se maltraite, se déguise on la voit avec une poële sur la tête, déguisée en E.T. Dans une grande partie des toiles exposées elle se présente en relation avec un animal : lièvre, crapaud, âne, canard, singe, furet, cochon d’inde. Un enfant aussi lorsqu’elle retrouve soudain le thème de la Maternité ou alors celui du Bon Berger elle se montre un âne sur les épaules, au lieu de l’agneau traditionnel. On perçoit une verve déchaînée dans ses peintures. Une absence de complaisance qui est totalement au service de la peinture comme acte, comme matière, comme rapports de couleurs qui s’avèrent particulièrement acides chez elle, en accord avec son goût de l’ironie. Cette présentation limitée révèle la maîtrise totale des moyens picturaux et des possibilités techniques de ce mode d’expression.

Pour la curiosité, mais je n’ai pas essayé de la charger, je signale qu’il existe une thèse (« Dissertation ») en ligne en allemand de 2002, sur les autoportraits de Maria Lassnig.

Patrick Schaefer, 15 décembre 2003

Gerda Steiner / Jörg Lenzlinger

Musée Tinguely, Bâle: Gerda Steiner / Jörg Lenzlinger, Too early to Panic jusqu’au 23 septembre.


Coire 10 juilet 2013

Musée des beaux-arts: Gerda Steiner & Jörg Lenzlinger: Nationalpark 22 juin – 21 décembre 2013

Gerda Steiner & Jörg Lenzlinger que passionnent l’interaction nature et homme occupent deux étages du musée de Coire avant destruction.

Le musée des baux-arts de Coire occupe deux villas anciennes l’une du XIXe siècle qui a été soigneusement restaurée, il y a quelques années et l’autre du début du XXe siècle construite par Walther Sulser pour abriter le musée d’histoire naturelle; jusqu’en 1989, lorsque le bâtiment a été attribué au musée des beaux-arts pour les expositions temporaires. Un nouveau projet d’extension entraîne la destruction de ce bâtiment. Pour préparer ce passage, les artistes Gerda Steiner & Jörg Lenzlinger, bien connus pour leur travaux sur l’interaction entre la nature et l’homme ont été invités à occuper en tout liberté les deux étages du bâtiment. Ils mettent en quelque sorte en route le processus de destruction de l’édifice, en laissant entrer la pluie, en arrachant les fenêtres, les sols et les plafonds pour faire croître des constructions réelles ou artificielles, élever des fleurs et des animaux.

Gerda Steiner (1967) & Jörg Lenzlinger (1964) sont parmi les artistes suisses les plus connus dans le monde. Ils ont été invités dans de nombreux sites pour réaliser leurs étonnants poèmes plastiques et interactifs qui mettent en jeu et questionnent radicalement les processus naturels et artificiels. En 2014, le parc national suisse en Engadine fêtera son centenaire et cette installation artistique d’une dimension exceptionnelle marque aussi le début des festivités. Ici ils invitent à entrer au Paradis, un thème qu’ils avaient déjà abordé au centre Paul Klee en 2008.

Le fertilisant artificiel est un composant essentiel de leurs installation, il évolue, grandit, envahit au gré des variations climatiques.

Le site des artistes. http://www.steinerlenzlinger.ch/

F. Kupka

Kupka, Pionnier de l’abstraction, Grand Palais, Paris jusqu’au 30 juillet 2018

Frantisek Kupka (1871 – 1957) Il y a longtemps que je sais que j’aime bien cet artiste et je retrouve avec plaisir La Gamme jaune de 1907 des collections de Beaubourg, ou ses grandes cathédrales abstraites qui sont envoûtantes. Je savais aussi qu’il avait collaboré avec l’Assiette au beurre, mais sans plus. Les deux premières salles de l’exposition évoquent l’activité d’illustrateur et de graveur de Kupka. L’artiste a rejeté cette première période comme alimentaire, elle révèle pourtant une puissance du dessin, une imagination débridée et une production considérable, plusieurs centaines de feuilles qu’il s’agisse de contributions à des revues ou des illustrations de livres. Dans ses premières peintures Kupka conserve une veine satirique tout en absorbant avec génie les influences les plus diverses de Böcklin, Klimt aux Fauves.

L’exposition est partagée en 5 sections et suit un déroulement chronologique, mais elle intègre les premières préoccupations de l’artiste à son développement futur.

Le fond Kupka du centre Pompidou avait été présenté à la Fondation de L’Hermitage à Lausanne, en 2003, dans le cadre d’une tournée dans diverses villes, en consultant le catalogue, on constate que l’on retrouve une grande partie des oeuvres dans l’exposition actuelle complétée par des prêts de Prague et d’autres collections. L’originalité de l’exposition réside surtout dans les deux premières salles qui soulignent l’importance de l’activité du dessinateur et tressent des liens avec son activité postérieure. Cette rétrospective ira à Prague et à Helsinki.

Georg Baselitz, le 19 janvier 2018

Georg Baselitz

Bâle 23 janvier 2018:

Le musée des beaux-arts de Bâle et la Fondation Beyeler s’unissent pour rendre hommage à Georg Baselitz, à l’occasion de ses 80 ans.

Fondation Beyeler: Georg Baselitz 21 janvier – 29 avril, Musée des beaux-arts, travaux sur papier.

Avec 90 peintures et une douzaine de sculptures d’un côté, près de 150 dessins de l’autre, la Fondation Beyeler et le musée des beaux-arts de Bâle rendent un hommage important à Georg Baselitz à l’occasion de son 80ème anniversaire. Il faut relever également que la plupart des dessins exposés au musée proviennent de la propre collection de l’institution. Continuer la lecture

Paul Gauguin

8 novembre 2017: Paris Grand Palais. Paul Gauguin l’alchimiste jusqu’au 22 janvier 2018

Le sous-titre de cette vaste rétrospective Gauguin souligne qu’elle se concentre sur le processus créatif suivi par Gauguin. Elle veut montrer comment il s’attaque aux matériaux: la céramique, le bois pour en faire des gravures ou des sculptures et enfin bien sûr les peintures. Le parcours est complété par de petits films qui expliquent les divers aspects du travail de l’artiste.

Suite à la visite de cette rétrospective j’ai lu Le Paradis – un peu loin de Mario Vargas Llosa, une biographie romancée, croisée de Flora Tristan et de Paul Gauguin, elle forme une évocation passionnante Continuer la lecture

Biennales de Lyon

Je réunis sur cette pages les compte-rendus de quatre éditions de la biennale de Lyon, visitées depuis 2001.

Lyon 13 octobre 2017

La quatorzième biennale de Lyon se déroule jusqu’au 7 janvier. Sous le titre Mondes flottants, elle explore différents thème développés par les artistes depuis 50 ans en se concentrant sur le déploiement du son dans l’espace et la performance. Il y a bien sûr des commandes spécifiques pour la biennale, mais aussi des oeuvres importantes qui viennent du centre Pompidou, du musée d’art contemporain de Lyon et de FRACS.

Deux sites présentent les oeuvres d’artistes que l’on retrouve parfois d’un lieu à l’autre avec des sous-titres communs: Archipel de la sensation; expanded poetry;  océan of sound; corps électrique ; cosmos intérieur; circulation / infini.

A la Sucrière, c’est une double installation de Hans Haacke qui occupe la surface au sol du centre, elle exprime les notions de suspension et de fluide. Dans deux salles au fond on trouve une installation de Doug Aitken qui revisite le thème de la fontaine ( Sonic Fountain II) et une autre de Thomas Saraceno (Hyperweb of the Présent, 2017), vue récemment au Haus konstruktiv à Zurich  avec une araignée qui tisse sa toile.

Le troisième étage est essentiellement consacré à la musique et à des formes de performances

Melik Ohanian propose la mise en scène d’une discussion de marginaux sur un toit à New York Borderland – I Walker a far Piece, 2017.  Quatre  écrans montrent la même scène et l’on voit les caméras qui bougent pour filmer les acteurs.

Au musée d’art contemporain l’exposition se déploie également sur trois étages avec de beaux rapprochements comme cette mise en scène d’une installation en tissu d’Ernesto Neto avec des sculptures de Jean Arp et une oeuvre de Calder.

Pour marquer la présence de la biennale au centre ville on découvre un dôme de Richard Buchminster Fuller qui abrite un bassin sur lequel naviguent des récipients en céramique blanche qui créent une musique aléatoire à l’instigation de Céleste Boursier – Mougenot. A la fois limitée et pointue, la Biennale de Lyon offre un bel ensemble d’oeuvres contemporaines associées autour du thème choisi.

13e biennale de Lyon jusqu’au 3 janvier 2016.

Le sous-titre de la biennale est la vie moderne. Le commissaire invité cette année est Ralf Rugoff, qui a dirigé la Hayward Gallery à Londres. L’exposition nous introduit à divers regards d’artistes sur cette vie moderne, il ne s’agit pas d’une interprétation stylistique de cette expression. Lorsque l’on débute la visite à la Sucrière on est frappé de découvrir avant tout des déchets, pneus lacérés présentés par Mike Nelson, câbles de communication abandonnés, Nina Carell, baskets et ordinateurs réemployés comme bacs à fleurs, Michel Blazy, ou ces stores repris par Haegue Yang comme des sculptures minimalistes, suspendues dans l’espace central du rez-de-chaussée. Certains font des inventaires, Julien Prévieux rassemble des objets de triche dans le sport. Kader Attia réunit des témoignages vidéos sur les maladies psychiques dans le monde. Continuer la lecture

NOT VITAL

Coire 13 septembre 2017.

Musée des beaux-arts: NOT VITAL. Univers privat, 9 Septembre – 19 Novembre 2017. Le deuxième sous-sol du nouvel édifice du musée des beaux-arts de Coire présente un regard rétrospectif sur l’oeuvre de Not Vital, né en 1948, qui va de 1964 à aujourd’hui. Les travaux appartiennent à plusieurs périodes, mais leur sélection insiste sur la continuité, la permanence d’une démarche.

Ainsi, c’est une gouttière, peinte en blanc, Chanala da tet, sorte de ready made, réalisé à 16 ans qui a été retenue comme affiche de l’exposition. L’appropriation est assurément l’une des caractéristiques qui revient constamment dans l’oeuvre de Not Vital. C’est aussi l’occasion pour lui d’établir un dialogue avec des savoirs artisanaux. Ici par exemple on retrouve un espace occupé par les 700 boules de neige, réalisées à Murano. D’autres traits de l’artiste ressortent, ainsi, la fascination du blanc et surtout du blanc sur blanc, le refus d’occuper l’espace massivement, la fragilité. Les sculptures sont autant de totems chancelants, comme les Sei sorelle de 1988; la référence aux animaux et au corps humain fragmenté de façon parfois cruelle. On retrouve aussi des travaux dans d’autres salles du musée. Continuer la lecture

Sandrine Pelletier

Sandrine Pelletier, Restes, 2017, céramique, salle baroque du château de Gruyères

Le château de Gruyères et ses expositions artistiques. Sandrine Pelletier: Foreign Accent jusqu’au 22 octobre 2017.

Gruyères est connu comme village historique, touristique, entièrement dédié aux restaurants et au commerce. Mais ce bourg possède aussi un musée et un café Giger, un musée tibétain et bien sûr le château qui a été soigneusement restauré.

Depuis quelques années des artistes contemporains sont invités à dévoiler leurs créations les plus récentes au château. Deux salles du rez-de-chaussée sont dédiées aux expositions temporaires, la terrasse offre un site idéal pour la mise en espace de sculptures. Enfin les créateurs peuvent aussi présenter en contrepoint leurs travaux dans les salles historiques.

Sandrine Pelletier (née en 1976) empoigne les techniques les plus diverses avec ardeur. Lavis, carton, bois brûlé ou peint, céramique et verre lui suggèrent des recherches sur les paroxysmes auxquels il est possible d’exacerber les matières, les limites entre expression et disparition, un peu comme un lavis Continuer la lecture

Art en Suisse

Les tentatives de faire le point sur une époque ou une tendance de l’art en Suisse sont assez rares. Je rassemble sur cette page quelques cas, à l’occasion de l’exposition Swiss Pop Art au Kunsthaus d’Aarau.

Aarau 26 juillet 2017

Le Kunsthaus d’Aarau fait le point sur la Suisse et le Pop Art jusqu’au 1er octobre. Une réflexion historique, mais une présentation légère et joyeuse qui a su faire ressortir l’esprit d’artistes jeunes  dont beaucoup sont devenus très connus, (Peter Stämpfli, Urs Lüthi, Markus Raetz, par exemple), en approfondissant certains aspects de leur première expression tonitruante. On sent bien qu’il s’agissait pour tous de casser le cadre, Continuer la lecture

David Hockney

David Hockney, Centre Pompidou jusqu’au 23 octobre 2017.

Après Londres et avant  New York, Paris présente la rétrospective des 80 ans de David Hockney. Le centre Pompidou avait proposé de grands paysages récents en 1999. Maintenant, c’est une rétrospective très complète que le visiteur découvre, conçue par un artiste qui insiste sur sa versatilité et qui est parvenu à créer des images qui sont devenues autant de symboles de plusieurs périodes, en particulier les années 1960 et 1970, mais loin de se satisfaire de ses réalisations, Hockney démontre qu’il poursuit ses explorations aujourd’hui à travers les modes d’expression les plus variés.

L’exposition débute avec un autoportrait de 1954, à 17 ans, réalisé par collage de bandes colorées sur du papier journal, tout à fait étonnant. Avec Démonstration de versatilité, 1961, il affirme sa disponibilité dans  quatre toiles, quatre styles.

Tout en invitant à la contemplation, en aspirant en quelque sorte le spectateur dans la toile comme dans A Bigger Splash, 1967, il exprime conscience et distance critique. La fascination pour le bleu va se renouveler dans Papier pool 11, 1978 où six feuilles de papier évoquent une piscine.

Auparavant il a réalisé les Double portrait dès 1968, le plus connu appartient à la Tate Britain 1970-71 Mr and Mrs Clark.

Il utilise le Polaroïd pour structurer des paysages qu’il divise en petits carrés, le panorama en 1990-1993 .

Il choisit des thèmes comme le Grand canyon et le Yorkshire dans une  toile de douze mètres.

En fait, l’exposition se déroule dans une suite de salles qui sont autant d’en apothéoses: les piscines, les doubles portraits, les paysages enveloppant des années 80-90, ou les quatre saisons dans le Yorkshire; puisque cette rétrospective David Hockney s’achève par une projection du même paysage, un chemin dans la forêt filmée aux quatre saisons, sur un écran divisé en 9 rectangles.
La rétrospective suit ainsi les chemins de vie d’un artiste, d’un homme heureux qui peint sur iPad et vit en geek à 80 ans.