Archives de catégorie : musées

William Kentridge

Bâle 26 juin 2019

William Kentridge, A Poem That Is not Our Own jusqu’au 13 octobre 2019

L’exposition du musée d’art contemporain de Bâle est centrée sur les films de William Kentridge dont le processus de réalisation est étroitement lié aux autres techniques graphiques qu’il emploie, en particulier le dessin, le découpage et la gravure. On voit que Kentridge est fasciné par les cortèges, les triomphes de la Renaissance, la danse des morts, auxquels il confère une nouvelle vie dans de grandes processions où surgissent aussi bien des figures du passé que des êtres actuels. Un nombre impressionnant de travaux et de films sont présentés. Continuer la lecture

Thomas Hirschhorn

Bienne

Exposition suisse de sculpture: Robert Walser Sculpture #Thomas Hirschhorn 15 juin – 8 septembre 2019

26 juin 2019 Thomas Hirschhorn.

« Faire place nette » est une expression courante que certains emploient volontiers. La démarche développée par Thomas Hirschhorn est à l’opposé. Invité à assumer la traditionnelle exposition de sculptures en plein air de Bienne. La douzième édition eut lieu en 2014 sous le titre The City Performed et la précédente en 2009 s’intitulait Utopics, peut-être que la sculpture Robert Walser rejoint ce thème et devient une utopie réelle. Thomas Hirschhorn renonce à jouer le rôle de commissaire qui aurait invité d’autres artistes et choisit de donner une nouvelle version de la notion de Monument qu’il développe depuis au moins 20 ans. Pour rendre hommage à Robert Walser, l’écrivain biennois, il crée de petites cellules de vie culturelle ou conviviale autour de la notion de Monument. Continuer la lecture

Biennales de Venise

Je n’ai pas visité toutes les biennales d’art de Venise depuis 2001, depuis que mon site existe, mais je réunis  ici les compte-rendus des éditions que j’ai vues.

Biennale: 11 mai – 24 novembre 2019 May you live in Interesting Times, dirigée par Ralph Rugoff.

Biennale 11 mai – 24 novembre 2019. May you live in interesting Times
Ralph Rugoff qui dirige la biennale cette année est le directeur de la Hayward Gallery à Londres depuis de nombreuses années (2002). Un lieu qui présente des expositions d’art contemporain très pertinentes, mais avec un côté fun, un savant dosage, susceptible d’attirer le grand public. C’est bien la formule que l’on trouve dans cette biennale qui propose à la fois un discours engagé et des pratiques artistiques très diverses résolument figuratives. On trouve une toile de Georges Condo à l’entrée de l’Arsenal, ce qui dit bien sous quelle étoile on est. Une large place est faite aux techniques traditionnelles, peintures, sculptures, photographies, mais bien sûr  toutes les pratiques visuelles actuelles sont aussi très présentes. Pour résumer: une biennale figurative, engagée qui ressemble aussi parfois à un catalogue de voyage dans des pays à risque !

L’une des nouveautés de cette édition est d’offrir aux artistes sélectionnés la possibilité de présenter leurs travaux dans les deux lieux au pavillon central et à l’Arsenal.

Pour ma part, j’ai préféré la visite de l’Arsenal à celle du pavillon central des Giardini. Le risque ou l’avantage de ce choix, si l’on est pressé par le temps c’est que l’on ne visite qu’un seul lieu, ce qui serait dommage !
Les Suisses de l’étape occupent une place importante avec une large place faite à Carol Bove qui était l’une des artistes choisie pour le pavillon suisse il y a deux ans et le terrible rappel d’actualité choisi par Christophe Büchel, montrant un bateau éventré dans lequel des centaines de migrants ont perdu la vie, ce qui lui a valu entre autre une page dans le Guardian. Quant à Christian Marclay il n’est considéré ici que comme Américain, il occupe une large place dans dans les deux lieux avec les gravures montrées à Aarau il y a quelques années et une installation à l’Arsenal.
Il y a une large ouverture sur l’Afrique bien que là aussi on ne sait si ce sont des Africains de Londres ou s’ils  vivent réellement dans leur pays.
Quoi qu’il en soit cela les concepts de l’exposition permettent de rassembler des démarches qui ont quelque chose à dire quelque soit le mode d’expression utilisé. Dans la peinture Jill Mulleady, Michael Armitage, Otobong Nkanga, Julie Mehretu, dans la sculpture Nicole Eisenman, Andra Usujta, dans le film Alex da Corte, les nouvelles technologies Ed Atkins dont on découvre aussi des dessins  aux Giardini. A noter que Jimmie Durham (1940) a reçu le grand prix cette année, une figure relativement peu connue dont l’étonnant bestiaire God’s Children, God’s Poems, a été présenté au Migrosmuseum à Zurich en 2017. Il avait réalisé 14 sculptures à partir des crânes de grands animaux européens, qui deviennent autant de totems étonnants rassemblant divers matériaux, bois, métal et tissu.

Continuer la lecture

L’art de l’après-guerre

Expositions collectives

Zurich 1ermai 2019

Zurich Kunsthaus Fly me to the Moon jusqu’au 30 juin

Au Kunsthaus de Zurich, les expositions thématiques alternent avec des approches monographiques d’un artiste. En 2017, l’institution avait tenté de faire une histoire de La performance. Au printemps 2018, c’était l’histoire de la mode depuis le 16esiècle jusqu’à aujourd’hui qui était évoquée sous le titre Fashion Extreme Mode in der Kunst. 2019 marque  le 50èmeanniversaire du premier pas sur la lune et c’est ainsi à la présence de la lune dans l’art, l’imagination et la science que l’exposition Fly me to the Moon nous présente. Un beau sujet qui associe des peintures, photographies, installations et des évocations de l’exploration de la lune à proprement parler. Continuer la lecture

Dessin suisse: Miriam Cahn et al.

Cette page regroupe plusieurs articles sur des artistes femmes

Bâle 26 juin 2019

Musée des beaux-arts: Leiko Ikemura. Vers de nouvelles mers jusqu’au 1 er septembre 2019. Leiko Ikemura fait l’objet d’une vaste exposition sur un étage du nouveau bâtiment du musée des beaux-arts de Bâle.

Berne 7 mars 2019

Miriam Cahn: Moi comme être humain jusqu’au 16 juin. Miriam Cahn l’une des principales représentantes du « dessin suisse » des années 1980 fête ses 70 ans. C’est l’occasion pour le musée de Berne de lui offrir toutes les cimaises de l’ancien bâtiment pour une rétrospective conçue et accrochée par l’artiste elle-même. ( L’exposition voyagera à Varsovie et au Haus der Kunst de Munich 11 07 – 28 10 2019), alors que le Kunsthaus Bregenz consacre une autre exposition à l’artiste 13 04 – 30 06, ainsi que le Reina Sofia de Madrid.).

L’artiste en empathie avec les problèmes du monde et toujours en colère! évite la muséification malgré la reconnaissance dont elle jouit. Elle qui a peint sous les pont d’autoroutes accroche ses dessins directement au mur, varie les formats du petit au très grand, préserve un caractère fragile et éphémère de la création. De la bombe atomique menaçante dans les années 1980 aux migrants qui se noient aujourd’hui, elle estime devoir réagir avec ses moyens d’expression.


Musée cantonal des beaux-arts et Collection de l’art brut, Aloise. Le ricochet solaire 1er juin – 26 août 2012

Deux expositions et deux regards bien distincts sur l’oeuvre d’Aloïse Corbaz (1886 – 1964). Au musée des beaux-arts on tente une présentation plus analytique, avec un essai de chronologie, qui veut entrer dans la logique interne d’Aloïse en mettant en évidence des mots clefs récurrents. Une approche intéressante qui place sur le même plan l’image et le langage, ces textes dont les oeuvres fourmillent. A l’art brut, les travaux sont présentés dans leur intensité, sans recul, en reprenant le point de vue de Jean Dubuffet qui fut l’un des principaux découvreurs de cette oeuvre. Ce sont deux regards légitimes, il est intéressant de pouvoir les apprécier!

Un site propose l’accès à toute l’oeuvre d’Aloïse dont une partie importante est présentée dans les deux expositions:

http://www.aloise-corbaz.ch

Musée de Pully jusqu’au 7 août 2011

Le musée de Pully rend un magnifique hommage à Jacqueline Oyex (1931 – 2006). Une rétrospective complète depuis des débuts stupéfiants qui révèlent un talent fulgurant jusqu’aux dernières années terribles marquées par la maladie qui la rongeait. Elle fut une artiste complète, reconnue et soutenue par ses pairs qui suscita beaucoup d’intérêt et ne fut pas privée d’un certain succès. Elle exposait régulièrement ses gravures à Lausanne et à Genève. La partie visible de son oeuvre était la gravure, eau-forte et aquatinte, 375 plaques ont été recensées, alors qu’elle travaillait en secret le dessin et la peinture. On découvre cet aspect quasiment pour la première fois dans cette exposition. Elle représentait essentiellement des visages, évoquant sans doute elle-même jouant aux cartes par exemple, parfois un couple, une famille, des personnages devenant mythiques, immobiles, les yeux vides, comme saisis dans un ailleurs, un monde de contes, d’enfance à la dimension tragique. Une présentation dont on ressort la gorge serrée. 12 juin 2011

Un site présente l’essentiel de son oeuvre: http://www.jacquelineoyex.ch


Leiko Ikemura – Les années lumière jusqu’au 24. 6. 2001

Venue du Japon Leiko Ikemura a séjourné en Espagne et en Suisse avant de s’installer en Allemagne. Elle a déjà exposé au Musée de beaux-arts de Lausanne en 1988. Ce dernier lui avait alors acheté plusieurs toiles. L’artiste a investi toutes les salles du musée, y compris celles qui sont consacrées à la collection. Elle réalise des sculptures en terre cuite et des peintures. Le thème exploré est toujours le même, c’est celui de la jeune fille ou de l’enfant. Il apparaît sous la forme de portraits, de figurines, de corps couchés et de corps en mouvement. La confrontation avec les oeuvres de la collection est assez risquée. En effet elle fonctionne plutôt bien, surtout dans la première salle où les figurines placées sur des socles à mi-hauteur sont confrontées à des portraits du 17e et du 18e siècle suscitant un étrange échange de regards, ensuite ce sont de petites figurines qui tracent le cheminement que le spectateur suit dans la deuxième salle. Dans la troisième salle, Leiko Ikemura se retrouve seule, face au jaune des murs, ici le jaune paraît plus fort que les oeuvres de l’artiste. Enfin dans la salle du fond, on découvre ses peintures, réparties sur une longue cimaise blanche, la voici de plus en plus seule. Et l’on s’interroge sur la force de ses peintures formées d’une couche de couleurs très fine où l’on distingue comme l’ombre ou la vision radiographiée de corps évoluant dans diverses positions, alors que chaque toile présente un instant, un moment arrêté. Les salles suivantes proposent d’autres sculptures associées parfois à des peintures. A vrai dire, le parti-pris de renoncer à la plasticité dans la peinture pour la déplacer carrément dans l’espace est fascinant, les peintures ont ainsi le caractère d’une photographie, d’une radiographie et l’expression du volume est confiée aux terres cuites ou au bronze. Fascinant, le processus est aussi gênant, car la peinture se nie elle-même en quelque sorte et l’on s’interroge sur son existence lorsqu’elle ne bénéficie plus des oeuvres de la collection ou des figurines en terre cuite pour la soutenir. De nombreux artistes jouent aujourd’hui sur ces associations, déjà développées par certains membres du groupe COBRA dans les années 1950. Le plus connu, celui à qui ces expériences réussissent le mieux, est sans doute Thomas Schütte qui associe des dessins très figuratifs à des sculptures modelées avec plaisir et sensualité. La démarche de Leiko Ikemura est beaucoup plus sombre, ses figures sont des poupées tristes, abandonnées ou des morts évoqués par des figurines votives. Considérant cette thématique et le caractère d’invocation de son travail, qui rappelle Boltanski, le propos se dilue un peu trop dans les grandes salles du Musée. Une confrontation plus restreinte eut sans doute été moins risquée pour l’artiste qui bénéficie ici d’une occasion exceptionnelle pour mettre en scène son travail.

Peinture anglaise

Fondation de l’Hermitage Lausanne: La peinture anglaise 1830 – 1900 de Turner à Whistler 1er février – 2 juin 2019

Si deux noms célèbres ont été retenus dans le titre, les 60 toiles montrées ici proposent avant tout des artistes peu connus et qui se signalent par des toiles d’une étonnante qualité, souvent repérées dans des musées rarement visités du Royaume-Uni. Elles ont été réunies autour de quelques thèmes comme le réalisme social, la scène de genre, le paysage ou les féeries, notamment. Le commissaire William Hauptmann n’a pas voulu reprendre les accrochages de la Tate Britain, il ne s’attache pas à montrer des groupes ou mouvements connus de l’école anglaise, mais retient plutôt des toiles singulières et souvent inédites en parcourant 70 ans de création artistique et par conséquent des générations très différentes.

En 2005

Paris 2005 les Galeries nationales du Grand Palais avaient présenté Turner, Whistler et Monet jusqu’au 17 janvier 2005.

Berne Musée des beaux-arts: Edward Burne- Jones (1833 – 1898) , le paradis terrestre jusqu’au 25 juillet 2010.

Le musée des beaux-arts de Berne consacre pour la première fois en Suisse une exposition à Edward Burne- Jones (1833 – 1898). Cette présentation nous propose une fantastique plongée dans l’univers de ce véritable Wagner de la peinture. En effet, Burne Jones fut fasciné par les mythes de l’Antiquité, mais surtout par la littérature médiévale et l’univers des contes de fées. L’exposition met en évidence quelques cycles qui sont reconstitués, ce qui souligne l’originalité de l’approche de Burne-Jones, et son actualité tant il a influencé non seulement des artistes suisses de la fin du XIXe siècle, comme Hodler, mais aussi des films et des bandes dessinées contemporains.

Oskar Kokoschka

Zurich 7 janvier 2019

Kunsthaus Rétrospective Oskar Kokoschka jusqu’au 10 mars 2019. Le Kunsthaus présente une vaste rétrospective de l’artiste Oskar Kokoschka (1886 – 1980), organisée autour des neuf lieux où il résida. L’exposition sera visible au musée Léopold à Vienne par la suite.

L’ensemble qui comprend aussi les oeuvres politiques antinazies et antifascistes de l’artiste fait ressortir l’ampleur de la personnalité d’un humaniste européen qui resta attaché à la figuration et à l’évocation des mythes antiques dans les oeuvres monumentales qu’il réalisa après la Seconde guerre mondiale.

Les principaux moments de l’exposition: 1905-1912, le milieu viennois; 1912 -1918 Alma Mahler ( la mariée du vent du musée de Bâle n’est pas présente, mais d’autres travaux évoquent cette relation; 1916 – 1923 Kokoschka enseigne à Dresde; 1923 – 1930 voyages; exil,  Londres et Prague;il s’est installé à Villeneuve en Suisse dès 1951. L’exposition présente des oeuvres de provenance très diverses, mais s’appuie aussi les toiles de la Fondation Kokoschka à Vevey dont on mesure ici à quelle point elles sont représentatives des diverses périodes de l’artiste.


Vienne, Albertina: Oskar Kokoschka. Exil und neue Heimat 1934 – 1980 jusqu’au 13 juillet 2008.

Kokoschka et la musique Vevey, musée Jenisch jusqu’au 9 septembre 2007

Pour marquer le vingtième anniversaire de la création de la Fondation Kokoschka, le musée Jenisch à Vevey, où les oeuvres de cette Fondation sont déposées, consacre une exposition au thème Kokoschka et la musique. Une problématique essentielle pour cet artiste qu’il a traitée de façon passionnante, il apparaît surtout fasciné par le pouvoir de la musique sur les auditeurs et surtout les auditrices. La manière dont la musique modifie les traits du visage des personnes qu’il observe. Une approche psychologique qui l’a préoccupé au cours de toute sa vie et qu’il a traduite de façons très diverses. On y sent la proximité du milieu viennois dans lequel il a évolué. Il ne cherche pas à traduire l’espace musical par un espace pictural comme le font la plupart des artistes qui s’intéressent à cette relation. C’est l’effet psychologique de la musique et plus largement le rôle de cele-ci dans les relations entre les gens qui l’intéressent.

Matin et soir, le pouvoir de la musique est le titre d’une toile retenue d’ailleurs comme affiche de l’exposition. Cette version au Kunsthaus de Zurich date de 1966 – 1976; une autre version est beaucoup plus ancienne 1918 -1920. Elle n’est pas exposée ici, par contre on découvre une suite de lithographies presque contemporaines Le concert, 1921 qui fixent l’évolution de la physionomie d’une femme, Kamilla Swoboda au cours d’un concert. Une variation d’observation vraiment extraordinaire. Tout près se trouve un magnifique portrait dessiné d’Alma Mahler. Cette dernière inspira également à l’artiste 11 lithographies de 1916-1917 à partir d’une cantate de Bach.

La sensibilité de Kokoschka (1886 – 1980) pour la musique l’amena à développer des amitiés avec plusieurs musiciens, on découvre deux portraits peints de Pablo Casals, trois dessins représentant Sjatoslav Richter en 1965. Le peintre collabora avec des metteurs en scène et ses écrits furent mis en musique. Ainsi la pièce Assassin espoir des femmes de 1907, qui fut reprise par Paul Hindemith. Kokoschka écrivit un Orphée et Eurydice qui devint le livret d’un opéra composé par Ernst Krenek. Par ailleurs on trouve aussi dans l’exposition une suite de dessins pour la mise en scène du Bal masqué de Verdi à Florence en 1963. Une salle est consacrée à la présentation de 10 toiles et 2 tapisseries appartenant à la Fondation, mais sans lien direct avec la musique.

En parcourant cette exposition et surtout la première salle à droite, je pensais à plusieurs artistes contemporains, en particulier David Hockney et surtout Lucian Freud qui s’attache aussi à l’évolution des traits de ses modèles.

Vevey, Musée Jenisch Kokoschka et la musique 7 juillet – 9 septembre 2007.

Jean-Luc Godard

Lausanne, 26 novembre 2018

Du 16 au 30 novembre 2018, le Théâtre de Vidy présente Le livre d’image de Jean-Luc de Godard à la Passerelle, dans une mise en scène de Godard par laquelle il recrée son salon, un fauteuil, des tapis, un écran tv, un tourne-disque, un miroir. 1h.30 d’images et de poésie. Une réflexion sur l’intensité du mouvement de la narration cinématographique, la brutalité du document, l’immobilité de l’image, ces transformations et la permanence de la cruauté du monde, sans oublier le son, la voix, la musique qui voyagent dans l’espace.


Le festival de Cannes 2010 (15 – 23 mai) présente le nouveau film de Jean-Luc Godard intitué Film Socialisme 1h 41. On trouve des trailers sur youtube (en fait une version accélérée de tout le film).

Il a aussi mis en ligne un hommage sur Rohmer en 2010 3’26.

Centre Pompidou Beaubourg: Voyages en utopie Jean-Luc Godard 1946 – 2006, à la recherche d’un théorème perdu jusqu’au 14 août 2006.

Le centre Pompidou a donné Carte blanche à Jean-Luc Godard sous le titre Voyage(s) en utopie, 1946-2006, à la recherche d’un théorème perdu. Les organisateurs nous précisent d’emblée qu’il ne s’agit pas d’une exposition sur Godard, mais d’une exposition de Godard. Un autre avertissement nous informe que l’exposition n’a pu avoir lieu sous la forme voulue. On en est quitte pour découvrir les maquettes d’une exposition souhaitée et des écrans qui évoquent la typologie et les grands moments de l’histoire du cinéma, une situation de mise en abyme qui ressemble beaucoup à celle que l’on rencontre dans ses films!. Continuer la lecture

Robin Rhode

Robin Rhode est présenté au Haut konstruktiv à Zurich du 25 octobre au 13 janvier 2019

Robin Rhode expose au musée des beaux-arts de Lucerne jusqu’au 1er juin 2014

Robin Rhode met en scène les tableaux d’une exposition de Moussorgsky avec Leif Ove Andsnes au piano sous le titre Pictures Reframed. Le concert aura lieu au Théâtre des Champs-Elysées à Paris le 11 décembre 2009.

Hayward Gallery

Robin Rhode: Who’s who jusqu’au 7 décembre 2008

La craie et la performance sont au centre de la démarche créative de l’artiste sud-africain Robin Rhode. Il est né à Cape Town en 1976, il a étudié l’art et le cinéma à Johannesburg. Depuis 2002, il vit à Berlin. Inspiré par la tradition du cinéma muet comme par celle des performeurs de rue d’aujourd’hui, la culture hip hop, Robin Rhode propose un univers d’une poésie et d’un humour absolument convainquant. Les instruments qu’il utilise sont très simples: la craie, moyen d’expression éphémère qui s’efface tout seul, son corps, les murs ou le sol, le plus souvent il oppose le blanc et le noir. Il dessine un élément de réalité un objet désirable, comme un vélo par exemple et réagit par rapport à celui-ci, la performance est filmée, photographiée. Il s’intéresse à l’éphémère, ainsi a-t-il placé sur le toit de la Hayward Gallery le moulage d’un vélo en savon qui disparaîtra au cours de l’exposition.

Son travail a également été présenté au Haus der Kunst à Munich. Des exemples du travail de Robin Rhode sont visibles sur youtube.

Meret Oppenheim / surréalisme suisse

Cette page propose des articles consacrés à Meret Oppenheim et Germaine Richier et le surréalisme en Suisse.

Les musées des beaux-arts de Berne et de Soleure présentent simultanément  l’oeuvre de Meret Oppenheim 22 octobre 2021 – 13 février 2022.

Musée des beaux-arts de Berne: Meret Oppenheim .Mon exposition.

En 1984, une année avant sa dispartion Meret Oppenheim présentait une rétrospective de son travail à la Kunsthalle de Berne. La rétrospective du musée de Berne qui voyagera aux Etats-Unis se place entièrement sous l’exemple de cette présentation. Le hall central affiche d’immenses agrandissements photographiques de l’exposition. L’objectif est de rendre justice à l’ensemble de l’activité créatrice de Meret Oppenheim et de ne pas se limiter aux œuvres des années 1930 qui lui ont acquis une place dans l’histoire du Surréalisme. Personnalité rayonnante et énergique, elle a toujours joué un rôle sur la scène artistiques des lieux où elle a séjourné à Bâle, Berne, au Tessin ou à Paris. Par aileurs le regard sur l’ensemble de son œuvre fait ressortir des thèmes récurrents, la nature, la femme, les nuages qui animent son inspiration.


Continuer la lecture