Archives de catégorie : estampe

L’art de l’après-guerre

Expositions collectives

Zurich 1ermai 2019

Zurich Kunsthaus Fly me to the Moon jusqu’au 30 juin

Au Kunsthaus de Zurich, les expositions thématiques alternent avec des approches monographiques d’un artiste. En 2017, l’institution avait tenté de faire une histoire de La performance. Au printemps 2018, c’était l’histoire de la mode depuis le 16esiècle jusqu’à aujourd’hui qui était évoquée sous le titre Fashion Extreme Mode in der Kunst. 2019 marque  le 50èmeanniversaire du premier pas sur la lune et c’est ainsi à la présence de la lune dans l’art, l’imagination et la science que l’exposition Fly me to the Moon nous présente. Un beau sujet qui associe des peintures, photographies, installations et des évocations de l’exploration de la lune à proprement parler. Continuer la lecture →

Extase/ sous influence

Berne 1er mai 2019

Le Centre Paul Klee propose

Extase jusqu’au 4 août 2019. Au sous-sol, divisée en 7 chapitres, cette exposition illustre différentes formes de l’extase: l’ivresse, la religion, le sexe, la danse avec des oeuvres qui vont du XIXe siècle à aujourd’hui. Quelques artistes présentés ici: Andy Warhol, Marina Abramovic, Nan Goldin, Aernout Mik, Marlene Dumas, Martin Disler, Isadora Duncan, Ferdinand Hodler, Henri Michaux, Meret Oppenheim, Pawel Althamer, John Latham, Wolfgang Tillmans.

Il se trouve que je lis en ce moment un recueil d’essais de Milan Kundera, Les testaments trahis, qui réfléchit et vagabonde dans les domaines les plus divers. Continuer la lecture →

Dessin suisse: Miriam Cahn et al.

Cette page regroupe plusieurs articles sur des artistes femmes

Bâle 26 juin 2019

Musée des beaux-arts: Leiko Ikemura. Vers de nouvelles mers jusqu’au 1 er septembre 2019. Leiko Ikemura fait l’objet d’une vaste exposition sur un étage du nouveau bâtiment du musée des beaux-arts de Bâle.

Berne 7 mars 2019

Miriam Cahn: Moi comme être humain jusqu’au 16 juin. Miriam Cahn l’une des principales représentantes du « dessin suisse » des années 1980 fête ses 70 ans. C’est l’occasion pour le musée de Berne de lui offrir toutes les cimaises de l’ancien bâtiment pour une rétrospective conçue et accrochée par l’artiste elle-même. ( L’exposition voyagera à Varsovie et au Haus der Kunst de Munich 11 07 – 28 10 2019), alors que le Kunsthaus Bregenz consacre une autre exposition à l’artiste 13 04 – 30 06, ainsi que le Reina Sofia de Madrid.).

L’artiste en empathie avec les problèmes du monde et toujours en colère! évite la muséification malgré la reconnaissance dont elle jouit. Elle qui a peint sous les pont d’autoroutes accroche ses dessins directement au mur, varie les formats du petit au très grand, préserve un caractère fragile et éphémère de la création. De la bombe atomique menaçante dans les années 1980 aux migrants qui se noient aujourd’hui, elle estime devoir réagir avec ses moyens d’expression.

Musée cantonal des beaux-arts et Collection de l’art brut, Aloise. Le ricochet solaire 1er juin – 26 août 2012

Deux expositions et deux regards bien distincts sur l’oeuvre d’Aloïse Corbaz (1886 – 1964). Au musée des beaux-arts on tente une présentation plus analytique, avec un essai de chronologie, qui veut entrer dans la logique interne d’Aloïse en mettant en évidence des mots clefs récurrents. Une approche intéressante qui place sur le même plan l’image et le langage, ces textes dont les oeuvres fourmillent. A l’art brut, les travaux sont présentés dans leur intensité, sans recul, en reprenant le point de vue de Jean Dubuffet qui fut l’un des principaux découvreurs de cette oeuvre. Ce sont deux regards légitimes, il est intéressant de pouvoir les apprécier!

Un site propose l’accès à toute l’oeuvre d’Aloïse dont une partie importante est présentée dans les deux expositions:

http://www.aloise-corbaz.ch

Musée de Pully jusqu’au 7 août 2011

Le musée de Pully rend un magnifique hommage à Jacqueline Oyex (1931 – 2006). Une rétrospective complète depuis des débuts stupéfiants qui révèlent un talent fulgurant jusqu’aux dernières années terribles marquées par la maladie qui la rongeait. Elle fut une artiste complète, reconnue et soutenue par ses pairs qui suscita beaucoup d’intérêt et ne fut pas privée d’un certain succès. Elle exposait régulièrement ses gravures à Lausanne et à Genève. La partie visible de son oeuvre était la gravure, eau-forte et aquatinte, 375 plaques ont été recensées, alors qu’elle travaillait en secret le dessin et la peinture. On découvre cet aspect quasiment pour la première fois dans cette exposition. Elle représentait essentiellement des visages, évoquant sans doute elle-même jouant aux cartes par exemple, parfois un couple, une famille, des personnages devenant mythiques, immobiles, les yeux vides, comme saisis dans un ailleurs, un monde de contes, d’enfance à la dimension tragique. Une présentation dont on ressort la gorge serrée. 12 juin 2011

Un site présente l’essentiel de son oeuvre: http://www.jacquelineoyex.ch

Leiko Ikemura – Les années lumière jusqu’au 24. 6. 2001

Venue du Japon Leiko Ikemura a séjourné en Espagne et en Suisse avant de s’installer en Allemagne. Elle a déjà exposé au Musée de beaux-arts de Lausanne en 1988. Ce dernier lui avait alors acheté plusieurs toiles. L’artiste a investi toutes les salles du musée, y compris celles qui sont consacrées à la collection. Elle réalise des sculptures en terre cuite et des peintures. Le thème exploré est toujours le même, c’est celui de la jeune fille ou de l’enfant. Il apparaît sous la forme de portraits, de figurines, de corps couchés et de corps en mouvement. La confrontation avec les oeuvres de la collection est assez risquée. En effet elle fonctionne plutôt bien, surtout dans la première salle où les figurines placées sur des socles à mi-hauteur sont confrontées à des portraits du 17e et du 18e siècle suscitant un étrange échange de regards, ensuite ce sont de petites figurines qui tracent le cheminement que le spectateur suit dans la deuxième salle. Dans la troisième salle, Leiko Ikemura se retrouve seule, face au jaune des murs, ici le jaune paraît plus fort que les oeuvres de l’artiste. Enfin dans la salle du fond, on découvre ses peintures, réparties sur une longue cimaise blanche, la voici de plus en plus seule. Et l’on s’interroge sur la force de ses peintures formées d’une couche de couleurs très fine où l’on distingue comme l’ombre ou la vision radiographiée de corps évoluant dans diverses positions, alors que chaque toile présente un instant, un moment arrêté. Les salles suivantes proposent d’autres sculptures associées parfois à des peintures. A vrai dire, le parti-pris de renoncer à la plasticité dans la peinture pour la déplacer carrément dans l’espace est fascinant, les peintures ont ainsi le caractère d’une photographie, d’une radiographie et l’expression du volume est confiée aux terres cuites ou au bronze. Fascinant, le processus est aussi gênant, car la peinture se nie elle-même en quelque sorte et l’on s’interroge sur son existence lorsqu’elle ne bénéficie plus des oeuvres de la collection ou des figurines en terre cuite pour la soutenir. De nombreux artistes jouent aujourd’hui sur ces associations, déjà développées par certains membres du groupe COBRA dans les années 1950. Le plus connu, celui à qui ces expériences réussissent le mieux, est sans doute Thomas Schütte qui associe des dessins très figuratifs à des sculptures modelées avec plaisir et sensualité. La démarche de Leiko Ikemura est beaucoup plus sombre, ses figures sont des poupées tristes, abandonnées ou des morts évoqués par des figurines votives. Considérant cette thématique et le caractère d’invocation de son travail, qui rappelle Boltanski, le propos se dilue un peu trop dans les grandes salles du Musée. Une confrontation plus restreinte eut sans doute été moins risquée pour l’artiste qui bénéficie ici d’une occasion exceptionnelle pour mettre en scène son travail.

Peinture anglaise

Fondation de l’Hermitage Lausanne: La peinture anglaise 1830 – 1900 de Turner à Whistler 1er février – 2 juin 2019

Si deux noms célèbres ont été retenus dans le titre, les 60 toiles montrées ici proposent avant tout des artistes peu connus et qui se signalent par des toiles d’une étonnante qualité, souvent repérées dans des musées rarement visités du Royaume-Uni. Elles ont été réunies autour de quelques thèmes comme le réalisme social, la scène de genre, le paysage ou les féeries, notamment. Le commissaire William Hauptmann n’a pas voulu reprendre les accrochages de la Tate Britain, il ne s’attache pas à montrer des groupes ou mouvements connus de l’école anglaise, mais retient plutôt des toiles singulières et souvent inédites en parcourant 70 ans de création artistique et par conséquent des générations très différentes.

En 2005

Paris 2005 les Galeries nationales du Grand Palais avaient présenté Turner, Whistler et Monet jusqu’au 17 janvier 2005.

Berne Musée des beaux-arts: Edward Burne- Jones (1833 – 1898) , le paradis terrestre jusqu’au 25 juillet 2010.

Le musée des beaux-arts de Berne consacre pour la première fois en Suisse une exposition à Edward Burne- Jones (1833 – 1898). Cette présentation nous propose une fantastique plongée dans l’univers de ce véritable Wagner de la peinture. En effet, Burne Jones fut fasciné par les mythes de l’Antiquité, mais surtout par la littérature médiévale et l’univers des contes de fées. L’exposition met en évidence quelques cycles qui sont reconstitués, ce qui souligne l’originalité de l’approche de Burne-Jones, et son actualité tant il a influencé non seulement des artistes suisses de la fin du XIXe siècle, comme Hodler, mais aussi des films et des bandes dessinées contemporains.

Oskar Kokoschka

Paris janvier 2023

Le musée d’art moderne de la ville de Paris propose une rétrospective Oskar Kokoschka, un fauve à Vienne du 23 septembre au 12 février 2023. Elle connait un immense succès, lors de mon passage, un mardi jour de fermeture des autres musées, il y avait beaucoup de monde! Il s’agit bien d’une rétrospective qui évoque toutes les périodes de la carrière de l’artiste et suit son parcours difficile à travers l’Europe dans une période très tourmentée d’autant plus qu’il fut particulièrement engagé contre le nazisme. L’exposition est assez proche de la rétrospective du Kunsthaus mentionnée ci-dessous.

Zurich 7 janvier 2019

Kunsthaus Rétrospective Oskar Kokoschka jusqu’au 10 mars 2019. Le Kunsthaus présente une vaste rétrospective de l’artiste Oskar Kokoschka (1886 – 1980), organisée autour des neuf lieux où il résida. L’exposition sera visible au musée Léopold à Vienne par la suite.

L’ensemble qui comprend aussi les oeuvres politiques antinazies et antifascistes de l’artiste fait ressortir l’ampleur de la personnalité d’un humaniste européen qui resta attaché à la figuration et à l’évocation des mythes antiques dans les oeuvres monumentales qu’il réalisa après la Seconde guerre mondiale.

Les principaux moments de l’exposition: 1905-1912, le milieu viennois; 1912 -1918 Alma Mahler ( la mariée du vent du musée de Bâle n’est pas présente, mais d’autres travaux évoquent cette relation; 1916 – 1923 Kokoschka enseigne à Dresde; 1923 – 1930 voyages; exil,  Londres et Prague;il s’est installé à Villeneuve en Suisse dès 1951. L’exposition présente des oeuvres de provenance très diverses, mais s’appuie aussi les toiles de la Fondation Kokoschka à Vevey dont on mesure ici à quelle point elles sont représentatives des diverses périodes de l’artiste.

Vienne, Albertina: Oskar Kokoschka. Exil und neue Heimat 1934 – 1980 jusqu’au 13 juillet 2008.

Kokoschka et la musique Vevey, musée Jenisch jusqu’au 9 septembre 2007

Pour marquer le vingtième anniversaire de la création de la Fondation Kokoschka, le musée Jenisch à Vevey, où les oeuvres de cette Fondation sont déposées, consacre une exposition au thème Kokoschka et la musique. Une problématique essentielle pour cet artiste qu’il a traitée de façon passionnante, il apparaît surtout fasciné par le pouvoir de la musique sur les auditeurs et surtout les auditrices. La manière dont la musique modifie les traits du visage des personnes qu’il observe. Une approche psychologique qui l’a préoccupé au cours de toute sa vie et qu’il a traduite de façons très diverses. On y sent la proximité du milieu viennois dans lequel il a évolué. Il ne cherche pas à traduire l’espace musical par un espace pictural comme le font la plupart des artistes qui s’intéressent à cette relation. C’est l’effet psychologique de la musique et plus largement le rôle de cele-ci dans les relations entre les gens qui l’intéressent.

Matin et soir, le pouvoir de la musique est le titre d’une toile retenue d’ailleurs comme affiche de l’exposition. Cette version au Kunsthaus de Zurich date de 1966 – 1976; une autre version est beaucoup plus ancienne 1918 -1920. Elle n’est pas exposée ici, par contre on découvre une suite de lithographies presque contemporaines Le concert, 1921 qui fixent l’évolution de la physionomie d’une femme, Kamilla Swoboda au cours d’un concert. Une variation d’observation vraiment extraordinaire. Tout près se trouve un magnifique portrait dessiné d’Alma Mahler. Cette dernière inspira également à l’artiste 11 lithographies de 1916-1917 à partir d’une cantate de Bach.

La sensibilité de Kokoschka (1886 – 1980) pour la musique l’amena à développer des amitiés avec plusieurs musiciens, on découvre deux portraits peints de Pablo Casals, trois dessins représentant Sjatoslav Richter en 1965. Le peintre collabora avec des metteurs en scène et ses écrits furent mis en musique. Ainsi la pièce Assassin espoir des femmes de 1907, qui fut reprise par Paul Hindemith. Kokoschka écrivit un Orphée et Eurydice qui devint le livret d’un opéra composé par Ernst Krenek. Par ailleurs on trouve aussi dans l’exposition une suite de dessins pour la mise en scène du Bal masqué de Verdi à Florence en 1963. Une salle est consacrée à la présentation de 10 toiles et 2 tapisseries appartenant à la Fondation, mais sans lien direct avec la musique.

En parcourant cette exposition et surtout la première salle à droite, je pensais à plusieurs artistes contemporains, en particulier David Hockney et surtout Lucian Freud qui s’attache aussi à l’évolution des traits de ses modèles.

Vevey, Musée Jenisch Kokoschka et la musique 7 juillet – 9 septembre 2007.

Meret Oppenheim / surréalisme suisse

Cette page propose des articles consacrés à Meret Oppenheim, Germaine Richier et le surréalisme en Suisse.

Les musées des beaux-arts de Berne et de Soleure présentent simultanément  l’oeuvre de Meret Oppenheim 22 octobre 2021 – 13 février 2022.

Musée des beaux-arts de Berne: Meret Oppenheim .Mon exposition.

En 1984, une année avant sa dispartion Meret Oppenheim présentait une rétrospective de son travail à la Kunsthalle de Berne. La rétrospective du musée de Berne qui voyagera aux Etats-Unis se place entièrement sous l’exemple de cette présentation. Le hall central affiche d’immenses agrandissements photographiques de l’exposition. L’objectif est de rendre justice à l’ensemble de l’activité créatrice de Meret Oppenheim et de ne pas se limiter aux œuvres des années 1930 qui lui ont acquis une place dans l’histoire du Surréalisme. Personnalité rayonnante et énergique, elle a toujours joué un rôle sur la scène artistiques des lieux où elle a séjourné à Bâle, Berne, au Tessin ou à Paris. Par aileurs le regard sur l’ensemble de son œuvre fait ressortir des thèmes récurrents, la nature, la femme, les nuages qui animent son inspiration.

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Derain – Balthus

Lausanne Site du nouveau musée des beaux-arts  Bob Wilson: Balthus unfinished 31 août – 9 septembre

Lausanne 4 septembre 2018

Le musée des beaux-arts de Lausanne présente dans les catacombes de ses futurs espaces de la gare Balthus unfinished jusqu’au 9 septembre, mis en scène par Bob Wilson, gratuit, sur inscription sur le site du musée. Une expérience à vivre et dont on ne veut parler pour ne pas gâcher les surprises que réserve la visite! Dans trois salles du sous-sol qui sera sans doute consacré aux réserves plus tard, la présentation nous propose en somme une typologie de différentes manières de montrer un artiste. Dans le premier espace on découvre des toiles préparées mises au carreau et des oeuvres inachevées ou grattées par Balthus parce qu’il était insatisfait. Dans la seconde  des dessins qui ne sont pas tous des esquisses pour une toile et qui évoquent un aspect important de son activité. Enfin la troisième présente l’approche la plus nouvelle avec une animation sur une reproduction du Passage du commerce Saint André montrée à la fondation Beyeler. Une sorte de visite commentée qui donne la parole à chaque personnage en l’éclairant, il est vrai que la toile pourrait être une scène de théâtre ou un plan dans un film. Une musique baigne tous les espaces qui sont dans la pénombre avec juste quelques néons qui rappellent les mises en scène de Bob Wilson.

Fondation Beyeler: Balthus 2 septembre – 1 er janvier 2019

Bâle, Riehen 1er septembre 2018

La Fondation Beyeler propose une rétrospective de l’oeuvre peint de Balthus (1908 – 2001) avec une quarantaine de toiles provenant des Etats-Unis et d’Europe jusqu’au 1er janvier (on pourra la découvrir plus tard au musée Thyssen-Bornemisza à Madrid). Elle est motivée par le dépôt depuis quelques années à la Fondation Beyeler de l’une des toiles les plus monumentales de Balthus: Le Passage du Commerce Saint-André, 1952-1954. La sélection met bien en évidence des moments clefs dans le développement artistique et la vie privée de l’artiste. S’il a peint quelques paysages urbains et deux grandes scènes de rue, il privilégie clairement les compositions dans des intérieurs et des portraits. Les citations de grands moments de l’histoire de l’art, qu’il s’agisse des fresques du 15ème ou de Courbet notamment, relèvent d’une véritable imprégnation ou, comme l’a très bien exprimé la veuve de l’artiste à propos d’Alberto Giacometti lors de la conférence de presse, d’une conversation intérieure permanente. Chaque oeuvre marque un temps, un moment spécifique, une rencontre entre l’artiste, la toile ses modèles à l’écoute des mystères de la lumière. L’exposition insiste sur l’intimité de l’artiste dans son activité picturale, plus que sur ses activités extérieures, ses décors de théâtre par exemple ou son activité de dessinateur et de photographe.

Paris 7 novembre 2017: Centre Pompidou avec André Derain 1904 – 1914, la décennie radicale jusqu’au 29 janvier.

Concentrée sur les débuts de la carrière de l’artiste, elle montre la vigueur caricaturale des ses premiers travaux surtout dans le dessin. On découvre le dialogue avec Matisse et l’impact successif, à bref intervalle de l’oeuvre de Gauguin, puis des baigneuses de Cézanne. Enfin l’évolution vers un réalisme magique et la cassure de la guerre qui entraîne une interruption de son activité.

Paris, Musée d’art moderne de la ville : Derain, Balthus, Giacometti jusqu’au 29 octobre 2017

Le musée d’art moderne de la ville de Paris évoque les amitiés artistiques entre Derain et Balthus et ce dernier et Giacometti. Il s’agit d’une présentation exceptionnelle par son ampleur et sa pertinence. Les liens et les connivences entre ces trois artistes rarement associés sont multiples, ils relient des artistes appartenant à des générations différentes qui ont travaillé autour de la figure dans une période où l’abstraction s’affirmait. Continuer la lecture →

Thomas Huber

Aarau, Kunsthaus 6 août 2018

L’étage inférieur du musée est occupé par une présentation intégrale des multiples réalisés par Thomas Huber de 1980 à 2018 jusqu’au 11 novembre 2018. Ce qui revient à proposer une quasi rétrospective de tout son travail. En effet toutes ses peintures qui forment différents cycles sont accompagnées par un travail éditorial complet, catalogues, mais aussi portefeuilles d’éditions réalisés en sérigraphie, lithographie, parfois inkjet ou eau-forte. Continuer la lecture →

Marc Bauer / Sarah Masuger

Paris 10 mars 2013

Le centre culturel suisse présente Le Collectionneur de Marc Bauer jusqu’au 14 avril 2013

Marc Bauer est né en 1975, il a étudié à Genève et à Amsterdam. Ses dessins muraux, souvent présentés en cycles ont déjà rencontré un écho considérable après des expositions à Attitudes, au Mamco à Genève, au musée de Saint- Gall et tout récemment au Kunsthaus Baselland, puis à Pully.

Un grand dessin mural qui évoque un rideau de scène art déco, à travers l’ouverture duquel on découvre quelques danseuses en tutu (à moins que Marc Bauer n’ait repris un Degas?). Un autre dessin mural montre un personnage assis qui contemple la Seine avec la maquette d’un projet d’une nouvelle vision de Paris totalement reconstruite ( le plan Voisin?). Par ailleurs des peintures sur plexiglas évoquent un nouveau dessin animé intitulé L’architecte. Mais avant ce dernier, la suite de dessins Le Collectionneur évoque la période sombre de la guerre des spoliations, on reconnait des salons meublés, des tableaux, un Balthus, un Max Ernst, un Cézanne et puis soudain des papillons épinglés. La nouveauté surprenante dans cette exposition consacrée au dessin gris, estompé, c’est l’introduction de la couleur, brillante, éclatante, mais éphémère par des bouquets de fleurs splendides, placés dans des vases sur lesquels on reconnait les dessins de Marc Bauer. Les dessins créent une atmosphère sombre, nous plongent dans une époque, un récit et la couleur nous met dans l’actualité, le présent de l’exposition, ce qui donne une note brillante bienvenue. Ici par contre par contraste avec l’exposition de Pully, aucun texte pour appuyer les dessins.

Patrick Schaefer 13 mars 2013

Pully 21 septembre 2012

Marc Bauer  et Sara Masuger proposent jusqu’au 2 décembre, sous le titre, Le ravissement mais l’aube, déjà, un poème sculpté, dessiné et écrit dans les salles et sur les murs du musée de Pully. Une très belle composition qui associe plusieurs formes d’expression graphique, plastique et poétique.

Sara Masuger est née en 1978, elle a étudié à Berne et à Amsterdam, ses sculptures sont imprégnées par le corps humain en fragments, le corps qui expérimente, surgit, souffre, se délite en somme. Elle propose des oeuvres d’une grande ampleur qui tissent le volume des salles en proliférant dans l’espace. (Exemple de son travail sur le site de Kunstbetrieb).

Les dessins estompés de Marc Bauer jouent avec la perspective, ils proposent des objets, des situations, évoquent aussi des oeuvres d’art ; ici par exemple L’île des mortsde Böcklin. Natures mortes, vanités ou paysages envahissent les murs et suggèrent d’autres espaces, secondés par de courts textes. Cet envahissement répond à la prolifération des sculptures de Sara Masuger.

Le site de l’artiste.

Patrick Schaefer, l’art en jeu 22 septembre 2012

Alice Bailly

Winterthour 16 juillet 2021

Kunst Museum, Reinhart am Stadtgarten Expressionismus Schweiz jusqu’au 16 janvier 2022.

Le musée de Winterthur propose une vaste présentation des diverses formes que l’expressionisme a pu prendre en Suisse au début du XXe siècle.

Dans le cadre de cette exposition des oeuvres d’Alice Bailly sont présentées et des visites des réalisations de l’artiste à la villa Rychenberg de Winterthur sont proposées (3.10; 12.1; et 4.11).

Une exposition Alice Bailly est présentée à la Villa Flora à Winterthur jusqu’au 22 octobre 2006

Alice Bailly La Fête étrange jusqu’au 15 janvier 2006

Le musée des beaux-arts de Lausanne consacre une vaste rétrospective à Alice Bailly (1872 – 1938). En montrant 225 oeuvres de cette artiste mal connue, le musée a voulu mettre en évidence la cohérence du développement et des préoccupations d’une personnalité très forte qui s’est enflammée pour de nombreuses causes. Il s’agit de la première rétrospective depuis 1985. Formée à Genève et à Munich Alice Bailly s’installe à Paris en 1906. Elle séjourne également chez Cuno Amiet à Oschwand en 1909. A Paris elle nouera des relations avec Sonia Delaunay, Marie Laurencin, Jean Metzinger. Son travail, célébré par Apollinaire, s’inscrit tout à fait dans les recherches de ces artistes autour de l’orphisme et du futurisme. En 1918-1919, elle participe aux soirées du mouvement Dada à Zurich. En 1923, elle s’installe à Lausanne tout en conservant un atelier à Paris, elle meurt à Lausanne en 1938 après avoir notamment réalisé un important décor, La Forêt enchantée et Entracte pour le foyer du théâtre municipal en 1936.

L’approche choisie pour cette rétrospective est clairement chronologique.

Au fil des salles, on relève divers point centraux: Les études à Genève et à Munich, les premières impressions décisives, Cuno Amiet, Alexandre Blanchet, Gauguin et l’école de Pont Aven. Puis vient dès 1911 la découverte du cubisme secondaire: Gleizes, Metzinger et l’évolution vers l’orphisme et le futurisme. Les tableaux-laine apparaissent ainsi comme l’aboutissement de ces avancées au moment où Alice Bailly est en contact avec le mouvement dada à Zurich. Une salle est consacrée à l’importance de la musique dans son oeuvre avec des recherches de mise en relation entre l’expression picturale ou graphique et la musique d’une part et les portraits de musiciens d’autre part. Sous le thème Hommage à la Dame une salle souligne la cohérence des préoccupations d’Alice Baily à travers le temps et les évolutions stylistiques. La ronde des femmes et la rencontre de Rilke; l’itinérance, Paris, Lausanne, Berne; les portraits; le voyage en Italie à Venise et à Rome notamment forment les thèmes principaux retenus dans les salles suivantes. L’exposition s’achève sur la recherche de commandes publiques et l’aboutissement dans la décoration du foyer du théâtre municipal de Lausanne en 1936.

Pendant longtemps ce qui a fasciné dans le travail de cette artiste c’est la proximité, le côtoiement des avant-gardes de son temps, et l’on a mis l’accent sur la période 1909 – 1914. Aujourd’hui les chercheurs sont surtout attirés par la personnalité féminine et l’omniprésence de la femme dans cette œuvre. C’est la raison pour laquelle l’ouverture de l’exposition a été marquée par un colloque de deux jours consacré à Histoire de l’art et études de genre.

Patrick Schaefer, L’art en jeu, 13 octobre 2005